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terça-feira, 11 de março de 2025
Exposição – Circuito Cultura e Inclusão - Estação Barra Funda - CPTM - SP
exposição "Papel como Arte e seus Caminhos - Galeria Gravura Brasileira - SP
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segunda-feira, 10 de março de 2025
exposição Sérgio Ferro - Trabalho Livre - MAC USP
São Sebastião (Lamarca) | Acervo do MAC-USP
Sérgio Ferro - Trabalho Livre abre no MAC USP em 15/03
A produção de Sérgio Ferro documenta e desafia as estruturas de poder, evidenciando as tensões entre criação e opressão. A mostra propõe um olhar aprofundado sobre sua trajetória e as formas como sua obra dialoga com as lutas políticas e sociais;
O público terá a oportunidade de explorar a produção do arquiteto por meio de documentos, maquetes, filmes e registros históricos que compõem um retrato profundo de sua trajetória;
A mostra será realizada no MAC USP de 15/03 a 15/06 e tem entrada gratuita.
São Paulo, março de 2025 - O Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo (MAC USP) inaugura Sérgio Ferro - Trabalho Livre, uma exposição que mergulha na trajetória e no pensamento crítico do arquiteto, pintor e teórico cuja obra desafia as relações entre arte, arquitetura e sociedade. A mostra abre ao público em 15/03 e segue até 15/06, com entrada gratuita.
Com curadoria de Fabio Magalhães, Maristela Almeida e Pedro Fiori Arantes, a exposição investiga como Sérgio Ferro desenvolveu um pensamento único sobre o trabalho, a produção artística e a arquitetura, pautado na resistência à opressão e na busca por uma prática verdadeiramente emancipada. A intersecção entre arte e política permeia sua obra, revelando a construção de uma visão crítica que atravessa diferentes campos de atuação.
Desde sua participação no movimento Arquitetura Nova, ao lado de Flávio Império e Rodrigo Lefèvre, Ferro reformulou as bases da crítica arquitetônica. Sua abordagem denuncia a exploração dos trabalhadores da construção civil e propõe uma revisão estrutural da disciplina, indo além da estética e das formas para analisar a materialidade e a organização do trabalho.
O estudo aprofundado da construção de Brasília ocupa lugar central na exposição. Ferro identificou na nova capital um dos maiores paradoxos da modernidade arquitetônica brasileira: enquanto a cidade simbolizava um avanço no discurso do desenvolvimento, os trabalhadores que a erguiam viviam em condições de extrema precariedade. Fotografias cedidas pelo Instituto Moreira Salles ilustram essa contradição e ajudam a contextualizar a crítica do arquiteto ao modelo de produção vigente.
São Sebastião (Marighella) | Acervo do MAC-USP
Outro eixo relevante da mostra apresenta as casas e escolas projetadas pela Arquitetura Nova, construídas com soluções inovadoras que combinavam técnicas acessíveis e respeito aos saberes tradicionais dos trabalhadores da construção civil. As residências experimentais em Cotia e Butantã, bem como a Escola Estadual Profa. Dinah Balestrero, exemplificam como Ferro e seus colegas buscaram integrar materialidade, função e participação coletiva, sempre com uma preocupação pedagógica em relação ao espaço.
A exposição também expõe a relação de Ferro com a prática pictórica. Seus quadros são uma anatomia do próprio ato de pintar, um processo em camadas que revela a estrutura compositiva, o esboço e a finalização, como se cada etapa do trabalho fosse igualmente parte da obra acabada. Inspirado por mestres como Mantegna, Michelangelo e Van Gogh, Ferro não apenas os reverencia, mas reinventa suas composições para tratar de temas como violência, resistência e opressão. Suas reinterpretações do Martírio de São Sebastião e do afresco de Hamã crucificado, de Michelangelo, questionam os mecanismos da brutalidade e da repressão.
O espaço carcerário também se impôs como parte da experiência criativa de Ferro. Durante sua prisão no Presídio Tiradentes, ao lado de outros intelectuais e artistas como Rodrigo Lefèvre e Sérgio Souza Lima, sua produção artística não cessou. No confinamento, materiais improvisados deram forma a composições que incorporavam colagens, fragmentos, texturas e elementos da precariedade, ressignificando a experiência da reclusão. Essa experimentação reverberou em sua abordagem da pintura, onde a materialidade e a textura se tornaram veículos de expressão política e simbólica.
A relação entre pensar e fazer é um dos pilares da trajetória de Ferro. Para ele, o trabalho artístico é uma das poucas atividades em que pensamento e ação ainda podem coexistir em equilíbrio. Diferente da produção industrial e alienada, a arte preserva a autonomia do criador. Essa perspectiva o levou a refletir sobre o estatuto do artista no mundo contemporâneo e a crise da autonomia do fazer, um tema presente tanto em sua produção plástica quanto em sua escrita teórica.
A exposição Sérgio Ferro - Trabalho Livre oferece um panorama abrangente sobre a obra de um dos mais importantes pensadores da arquitetura e da arte contemporânea. Mais do que uma retrospectiva, trata-se de um convite ao debate sobre o papel do trabalho e da criação na construção de um futuro mais justo e autônomo.
SERVIÇO
Exposição: Sérgio Ferro - Trabalho Livre
Curadoria: Fabio Magalhães, Maristela Almeida e Pedro Fiori Arantes
Local: MAC USP – Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo
Endereço: Avenida Pedro Álvares Cabral, 1301, São Paulo, SP
Período: 15/03 a 15/06
Entrada: Gratuita
Mais informações: www.mac.usp.br
Exposição A Luz da Pandemia - Marcela Schmidt - Soma Galeria - Curitiba
Exposição A Luz da Pandemia chega a Curitiba, na Soma Galeria
Inspirada na simbologia da garça, as 15 telas da exposição convidam o público a refletir sobre transformação e resiliência após a pandemia. A abertura acontece no dia 13/03
A pandemia mudou o mundo e as pessoas e, com o passar do tempo, momentos de dor, superação e reinvenção ganharam forma, luz e ressignificado através da arte da catarinense Marcela Schmidt, que transformou 15 histórias reais em 15 pinturas criadas com acrílica sobre tela, exclusivamente a partir desses relatos.
Resultado dessa imersão profunda nas superações humanas, a exposição A Luz da Pandemia chega a Curitiba no dia 13 de março, na Soma Galeria. “Esse é um projeto que transforma dores, desafios e descobertas em telas que respiram emoção, reconstrução e esperança”, resume a artista.
A concepção da ideia nasceu ainda no isolamento, quando o mundo parou, e a busca por sentido tornou-se uma necessidade coletiva. Histórias de perda, reinvenção e coragem foram cuidadosamente selecionadas pela artista, por meio de entrevistas profundas e emocionantes, que a conectam com as narrativas que transcendem a dor e convidam a enxergar a luz por trás das cicatrizes.
Cada quadro é um testemunho sensível das transformações que a pandemia impôs. Desde aqueles que precisaram dizer adeus sem despedidas até os que descobriram forças desconhecidas para recomeçar. De forma bela, leve e sensível, a exposição agora convida o público a revisitar esse período com um olhar de acolhimento e contemplação.
Entre os relatos retratados por Marcela estão os das curitibanas Vânia Stallbaum Villar e Carolina Arzua, cujas histórias tocaram profundamente a artista durante o processo de entrevistas. Além delas, estão retratadas histórias de 13 catarinenses que também passaram por momentos extremamente desafiadores durante o confinamento.
Marcela mergulhou profundamente na escuta dessas trajetórias e descreve a experiência como um processo de cura coletiva. "Não é uma exposição sobre sofrimento, mas sobre o que fazemos com ele. É sobre olhar para o que passou e encontrar beleza e esperança na superação", reflete a artista.
A simbologia da garça, presente como assinatura de sua obra, reforça a transcendência e a resiliência que permeiam cada pincelada. Curitiba se torna, assim, palco para esse encontro entre arte e luz, onde o espectador não apenas observa, mas sente e se reconhece.
A exposição A Luz da Pandemia fica na capital paranaense até 27 de março, na Soma Galeria. O evento de abertura acontece no dia 13 de março, às 19h (R. Mal Jose B Bormann, 730 - Batel), com entrada é gratuita, classificação é livre, intérprete de libras e monitoria de acompanhamento de PcD.
A Luz da Pandemia é um projeto viabilizado pela Lei de Incentivo à Cultura (Rouanet) e realizado em parceria com o Ministério da Cultura. Entre seus patrocinadores estão as marcas Weltec, Link Comercial e Zee Rucci. A partir de abril, a mostra seguirá para São Paulo e, depois, Blumenau.
Sobre a artista
Marcela Schmidt é nascida em Blumenau, mas cresceu em Florianópolis e viveu em diversas cidades como Sidney, na Austrália, e Milão, na Itália. Com formação em arquitetura e mestrado em Design de Produto no Istituto Europeo di Design (IED), em Milão, a artista é autora de criações que vão do acrílico sobre tela à aquarela, passando por customização de tecidos e outras técnicas. Suas obras transcendem a visão sobre a estética, buscando conectar almas através da expressão visual. Antes de A Luz da Pandemia, Marcela assinou e expôs a coleção A Dança das Garças.
Mais informações em https://www.marcelaschmidt.
Serviço:
Exposição A Luz da Pandemia
Abertura: 13 de março de 2025, às 19h
Local: Soma Galeria (R. Mal Jose B Bormann, 730 - Batel)
Entrada gratuita
Mais informações: 47 9988-2122 e www.instagram.com/
Intervenção artística "A Eternidade e o Ponto Absoluto" - LACES - Shopping Iguatemi Campinas – SP
Nova unidade do Laces em Campinas recebe ocupação de arte brasileira
Hair spa interrompe obras no Iguatemi Campinas para ceder espaço a uma intervenção artística
Sempre conectado à natureza, à arte e ao design, o Laces – pioneiro em tratamentos saudáveis para os cabelos – interrompeu temporariamente as obras de sua futura unidade no Shopping Iguatemi Campinas para uma experiência artística única. O espaço em construção abrigará, no dia 10 de março, a exposição "A Eternidade e o Ponto Absoluto", assinada por Adriana Bianchi, presidente do Instituto Iadê. A iniciativa propõe uma reflexão sobre o tempo, o efêmero e o infinito.
Para essa intervenção artística especial, foram selecionados sete artistas brasileiros por suas conexões com natureza, ciência e arquitetura – elementos que dialogam com os valores do Laces. São eles: Antônio Miranda, Artur Rios, Marina Caverzan, Patricia Bigarelli, Ruy Teixeira, Sandra Lapage e TOMAZICABRAL (Nicole Tomazi e Sérgio Cabral) + Michell Lott.
A exposição acontece no dia 10 de março, a partir das 18h30, no primeiro piso do Shopping Iguatemi Campinas. O novo salão Laces, com inauguração prevista para 20 de março, marcará o maior projeto de expansão do grupo até o momento, trazendo para o interior paulista seu atendimento exclusivo, baseado em técnicas sustentáveis que promovem beleza consciente e bem-estar.
Intervenção artística “A Eternidade e o Ponto Absoluto”
10 de março - a partir das 18h30
LACES - Shopping Iguatemi Campinas – 1º piso
SOBRE OS ARTISTAS
Antônio Miranda
Nascido no Vale do Paraíba, em Pinheiral, Antonio Miranda é descendente dos Puris, indígenas originários do Vale e de africanos que vieram a coabitar a cidade mais tarde. Ele é um artista autodidata que iniciou na pintura e consolidou sua trajetória na escultura, usando materiais descartados encontrados na rua. Sua obra, inspirada no Candomblé e na arte africana ancestral, transforma objetos abandonados em esculturas que equilibram beleza e desconforto. Atualmente, vive em São Paulo, onde continua sua pesquisa artística.
Artur Rios
Artur Rios é um artista baiano formado em Artes Plásticas pela UFBA, com pós-graduação em Arteterapia. Sua pesquisa explora a relação simbólica entre o ser humano e a fauna, abordando temas de autoconhecimento e consciência ecológica, com foco no corpo humano em simbiose com a natureza. Rios tem uma carreira marcada por diversas exposições individuais e coletivas no Brasil e no exterior, além de receber prêmios em salões de arte.
Marina Caverzan
Marina Caverzan é uma artista paulista formada em Artes Visuais pela FASM, cuja obra explora o construtivismo por meio de formas geométricas, como triângulos e círculos. Sua pesquisa abrange temas como gênero, alquimia e física, confrontando a racionalidade com o vazio e o esoterismo. Utilizando materiais como acrílico, resina e LED, Caverzan cria peças que dialogam entre o visível e o oculto, adicionando uma carga simbólica e enigmática ao seu trabalho.
Patricia Bigarelli
Patricia Bigarelli é uma artista visual formada em Belas Artes pela Accademia di Belle Arti di Firenze, que trabalha com a apropriação de imagens e objetos descartados para discutir questões sociais e políticas. Sua obra busca ressignificar o sujeito e suas memórias, utilizando materiais coletados em locais abandonados. Bigarelli tem participado de exposições no Brasil, incluindo a SP ARTE e o Salão Aberto da Bienal de São Paulo.
Ruy Teixeira
Ruy Teixeira é um fotógrafo e designer paulista com carreira internacional, tendo trabalhado em fotojornalismo, moda e design, colaborando com grandes nomes da Europa. Após 25 anos em Milão, voltou ao Brasil e passou a focar na arte e arquitetura brasileira, publicando diversos livros. Em 2018, recebeu o prêmio Jabuti pelo livro "Arte Popular, Ponto de Vista Contemporâneo".
Sandra Lapage
Sandra Lapage é uma artista premiada que vive e trabalha em São Paulo, com exposições internacionais na Europa, Ásia e EUA. Com um MFA pelo Maine College of Art, ela foi beneficiada por diversas bolsas, incluindo a Fundação Pollock-Krasner, e realizou residências em instituições renomadas. Seu trabalho foi apresentado em museus e galerias ao redor do mundo, incluindo Museu de Arte de Ribeirão Preto, na Embaixada do Brasil em Bruxelas, no Centro Cultural São Paulo, no Museu de Arte de Blumenau, no A60 Contemporary Artspace (Milão), na Kunsthalle am Hamburguer Platz (Berlim), no Museu CICA (Coreia), na Royal Society of American Art (Nova Iorque) e no Pavilhão das Culturas Brasileiras durante a São Paulo Fashion Week.
TOMAZICABRAL + Michell Lott
Nicole Tomazi e Sérgio Cabral, juntos como TOMAZICABRAL, combinam saberes manuais e design, criando peças impactantes e emocionais. Com formações em Arquitetura, Urbanismo e Design, a dupla é referência no Brasil e no exterior. Desde 2019, sua colaboração transcende forma e função, explorando arte e poesia no design. Mineiro radicado em São Paulo, Michell Lott é reconhecido por suas produções que capturam o espírito do tempo em imagens impactantes. Com formação em jornalismo, hoje atua como cenógrafo, diretor criativo, curador de design, criador multidisciplinar, consultor de cores e pesquisador de tendências, sempre imerso no universo visual. A dupla se junto a Lott para criar a coleção SCI-FI Rural, que materializa pássaros intergalácticos em objetos colecionáveis, com esculturas e itens funcionais que perpetuam a manualidade através do vidro soprado e da serralheria, representando biomas extraterrestres.
SOBRE O GRUPO LACES
O Grupo Laces começou sua história com o Laces and Hair, primeiro Hair Spa do Brasil, em 1987. Pioneiro em tratamentos saudáveis para os cabelos e referência na área foi fundado por MERCEDES DIOS, mãe de Cris Dios, que sempre pesquisou sobre plantas, folhas e os seus benefícios para os cabelos. Hoje comandado por Cris, o Laces engloba um ecossistema pioneiro em ESG e tratamentos saudáveis para cabelos desde focado em consumo consciente e com práticas sustentáveis. A empresa foi convidada e esteve presente em duas edições da Conferência Climática das Nações Unidas, COP 27 e COP28. Hoje o grupo é formado pelo Laces and Hair, Bioma, Slow Beauty, Carbon Limited e as marcas Cris Dios Organics, LCS e C/ALMA, com todos os produtos feitos em fábrica própria certificada orgânica desde 2015. Utiliza de logística reversa para mapear e rastrear o fluxo de produtos, embalagens e outros materiais para que sejam descartados devidamente ou para que sejam reciclados.
exposição A Dança da Percepção - Jean Araújo - Luciana Caravello Galeria de Arte Contemporânea – São Paulo
Jean Araújo apresenta "A Dança da Percepção" na Luciana Caravello Galeria de Arte Contemporânea
De 20 de março a 03 de maio | Curadoria: Roberto Bertani | São Paulo
A Luciana Caravello Galeria de Arte Contemporânea tem o prazer de apresentar a exposição A Dança da Percepção, primeira individual do artista Jean Araújo (Vitória da Conquista, 1975) no espaço. Com curadoria de Roberto Bertani, a mostra acontece de 20 de março a 03 de maio, reunindo 22 obras inéditas que marcam uma constante evolução da pesquisa pictórica do artista, apresentando as recentes experiências com a cor e suas interações com a luz e o espaço. Diferentemente da pintura tradicional, sinônimo de permanência e eternidade, as obras desta exposição produzem um acontecimento cromático que evolui continuamente junto com o espectador e com a mudança da luz, em aberta contradição com a natureza e os cânones do espaço pictórico tradicional.
O trabalho e a pesquisa de Jean Araújo constroem um diálogo com os principais nomes da arte óptica e cinética, como Carlos Cruz-Diez, Jesús Rafael Soto e Júlio Le Parc. Tal como os mestres, a obra de Araújo explora o movimento de maneira peculiar: em vez de elementos físicos em deslocamento, é a própria experiência visual do espectador que "se move" conforme ele interage com as cores. A experiência proposta convida o público a se tornar parte ativa da obra, uma vez que a percepção do espectador se torna elemento essencial na vivência estética.
Segundo Roberto Bertani, o rigor técnico e a materialidade, aliadas a uma apurada organização tonal, são os pilares que definem a experiência do espectador diante da obra de Araújo. O equilíbrio entre cores em contraste intensifica a sensação de profundidade e ritmo, conduzindo o olhar para diferentes camadas da composição. O resultado é uma experiência estética apurada, que convida o espectador a mergulhar nas nuances cromáticas e no dinamismo das formas propostas.
Como afirma o curador, “Jean Araujo nos convida a mergulhar em um universo vibrante e pulsante, onde a cor, a luz e o movimento se entrelaçam, criando um diálogo sensível entre a obra e o observador. Ao final, o que permanece é um jogo de sedução estética — uma coreografia visual que instiga o olhar a dançar em meio à magia cromática que o artista tão habilmente concebeu. Nesta exposição, o artista não apenas apresenta suas obras, mas propõe uma nova forma de ver e sentir, um convite para que cada um de nós se torne parte dessa dança visual, enriquecendo nossa experiência com a arte contemporânea”, completa Bertani.
Sobre Jean Araújo
Graduado em Artes Visuais pela UCAM (RJ). Frequentou os cursos da EAV – Parque Lage de 2013 a 2016, Casa França 2016 a 2017. Participou de várias exposições, como: “Miragens” (Centro Municipal de Arte Hélio Oiticica, RJ); “Imersões” na Casa França Brasil (RJ); “Além da Imagem” na Sem Título Arte em Fortaleza(CE); III Bienal do Sertão, Vitória da Conquista – (BA) ; 17º Salão de arte Jataí – (GO) 8º Arte Londrina (PR) 46º Salão de Arte Novissímos – Galeria IBEU (RJ) ; 24º Salão de Arte de Praia Grande (SP); Programa de Exposições do Museu de Arte de Ribeirão Preto (SP); “In Progress, Salão de Artes Visuais de Vinhedo (SP); “Nada mais me importa” no (Espaço Furnas Cultural, RJ).Obras em acervos: Museu da Cidade- Paia Grande, Museo Histórico de Jataí- Go.
Sobre Roberto Bertani
Doutor em Ciências Sociais pela PUC - Pontifícia Universidade Católica de São Paulo, Mestre em Artes Visuais pela UNESP - Universidade Estadual Paulista, Especialista em Comunicação pela ECA/USP - Escola de Comunicação e Artes da Universidade de São Paulo, Bacharel em Desenho Industrial pelo Centro Universitário Armando Álvares Penteado. Foi Coordenador Titular do Subcolegiado de Artes e Humanidades da Comissão Técnica de Acompanhamento da Avaliação - CTAA, do Ministério da Educação - MEC
É Diretor do Centro de Estudos Brasileiros da América Latina no Memorial da América Latina e Diretor Geral do MUBA - Museu Belas Artes de São Paulo, foi Diretor Executivo do ICCO - Instituto de Cultura Contemporânea, Superintendente Geral e Curador Artístico da Fundação José e Paulina Nemirovsky na Pinacoteca do Estado de São Paulo, Diretor Executivo do IAC - Instituto de Arte Contemporânea.
Atualmente é o Chairholder da Cátedra UNESCO "Latin America's integration process at the Latin American Memorial", Coordenador do curso de Pós-Graduação e do Bacharelado em Artes Visuais no Centro Universitário Belas Artes de São Paulo, Professor Titular da graduação e pós-graduação do Centro Universitário Armando Álvares Penteado.
Serviço:
Exposição: “A Dança da Percepção” – Jean Araújo
Curadoria: Roberto Bertani
Período: 20 de março a 03 de maio de 2025
Horário de visitação: Segunda a sexta, das 10h às 18h | Sábados, das 11h às 16h
Entrada: Gratuita
Luciana Caravello Galeria de Arte Contemporânea – São Paulo
Rua Mourato Coelho, 790 – Vila Madalena
São Paulo, SP – Brasil
exposição O Boto - Centro Cultural da Juventude Ruth Cardoso (CCJ) - Cachoeirinha SP
Detalhe de “Cunhatã”, de Luciano Maia
Mitologia e realidade se encontram na exposição O Boto, que chega à Zona Norte de SP refletindo migração e cultura
A mostra abre no dia 15 de março, sábado, às 15h, com a presença dos artistas Luciano Maia (PA) e Rafael Paiva (CE), além de uma apresentação de seresta.
A exposição O Boto entra em cartaz no Centro Cultural da Juventude Ruth Cardoso (CCJ), em Cachoeirinha, dia 15 de março, sábado, 15h. Com curadoria de Gabriel Babolim, O Boto utiliza da narrativa folclórica para discutir migração e cultura em território brasileiro. As obras são uma série de pinturas e fotografias que retratam cenas, memórias e vivências revisitadas pelos artistas naturais do Pará (Luciano Maia) e Ceará (Rafael Paiva) após mudarem-se para a capital paulista. A visitação é gratuita.
No conjunto de obras, as referências à figura mitológica do boto-cor-de-rosa alternam entre as narrativas regionais de populações ribeirinhas do baixo amazonas - com as simbologias folclóricas que se constituíram pela tradição oral - e práticas cotidianas de regiões do Ceará, nas regiões de Fortaleza e Carnaubal, onde a mitologia é sugerida pela presença de entidades, movimentos e indumentárias. Os artistas reimaginam a realidade através de uma lente subjetiva que confere mágica à normalidade, na qual o véu do invisível é levantado e seres fantásticos convivem com a rotina humana.
“O objetivo da mostra é celebrar a multiplicidade cultural que compõe nosso território brasileiro, e levantar discussões importantes para o cenário sócio-político, como diversidade cultural e movimentos migratórios. É importante que saibamos que as identidades estão em constante fluxo e que possamos entender cultura como um oceano onde diversos canais se integram, enriquecendo a experiência humana”, comenta o curador Gabriel Babolim.
Na sala de exposições do CCJ, estruturas de biombo delimitam um caminho serpenteado, onde o visitante pode conferir de perto as produções dos artistas, finalizando em uma grande instalação de pinturas em tecido na qual o visitante pode adentrar as cenas representadas.
O projeto conta ainda com encontros de arte-educação a serem realizados com os artistas e o curador, como visitas guiadas e oficinas práticas, com datas ainda a serem divulgadas. O visitante também pode, durante todo o período de exibição, solicitar o acompanhamento do setor educativo para mediação e consulta sobre a mostra, de quinta à domingo no período das 12 às 18 horas.
O Boto foi contemplado pela 21ª edição do Programa de Valorização de Iniciativas Culturais (VAI), da Secretaria Municipal de Cultura e Economia Criativa, que atua no desenvolvimento cultural e formação para a cidadania na cidade de São Paulo e tem como objetivo facilitar o acesso à arte e cultura nas regiões periféricas do município e estimular o pensamento crítico acerca das questões que envolvem as produções de arte contemporânea.
Sobre os artistas
Luciano Maia é natural de Santarém, Pará. Artista visual e designer de superfícies, desenvolve suas produções artísticas desde 2020, quando passa a comercializar suas ilustrações entre seu círculo social. Atua, principalmente, no desenho e na pintura e nas investigações têxteis, desenvolvendo sua poética através da contação de narrativas visuais. Realiza sua primeira exposição individual no Paço das Artes, em 2024, além de integrar mostras coletivas, salões e ter obras em acervos institucionais e particulares.
Rafael Paiva é natural de Carnaubal, interior do Ceará. Artista visual e diretor de arte, utiliza a fotografia como ferramenta principal de expressão, investigando também as produções de audiovisual. Atua no circuito de moda nacional, trabalhando com marcas independentes, além de possuir sua própria marca de pesquisa e moda circular. É premiado, em 2024, no Panorama Latino-Contemporâneo, promovido pelo Festival Photo Vogue, a ser realizado em março, ainda neste ano, em Milão.
Sobre o curador
Gabriel Babolim é natural de São Paulo, capital. Atua com curadoria e produção de projetos artísticos desde 2021, desenvolvendo projetos expositivos para artistas brasileiros e estrangeiros, bem como mostras coletivas em instituições públicas e particulares, além de realizar acompanhamento de produção para artistas independentes, facilitando a circulação de nomes em ascensão no cenário artístico e cultural através de editais.
Sobre o Centro Cultural da Juventude Ruth Cardoso (CCJ)
O CCJ, equipamento da Secretaria Municipal de Cultura, é o maior centro público dedicado aos interesses da juventude da cidade de São Paulo. Inaugurado em 27 de março de 2006, fruto da mobilização da comunidade no Orçamento Participativo, inspira outros centros de referência de juventude pelo Brasil e pelo mundo. Proporciona a transversalidade das diversas temáticas relativas à vivência da condição juvenil por meio da cultura, buscando o empoderamento e o protagonismo da juventude a partir de uma programação cultural gratuita e diversificada, tendo o jovem não somente como espectador, mas como sujeito promotor, organizador e realizador dos programas e projetos realizados tanto no espaço como difundidos pela cidade. Possui 8.000 m² de arquitetura moderna e arejada, reunindo biblioteca, anfiteatro, teatro de arena, sala de projetos, estúdio para gravações musicais, ilhas de edição de vídeo e de áudio, sala de oficinas e galeria para exposições, além de uma ampla área de convivência e com computadores com acesso à internet.
Ficha Técnica
Artistas: Luciano Maia e Rafael Paiva
Curadoria e Produção: Gabriel Babolim
Expografia e Identidade Visual: Coletivo Baga
Montagem: Érick Martinelli
Fotografia: Rafael Paiva
Comunicação: Coletivo Baga
Revisão: Diogo Barros
Coordenação de Arte-Educação: Gabriel Babolim
Seresta: Marquinhos Ribeiro
Cenotecnia e Plotagem: Silvério Babolim
Assessoria de Imprensa: Pevi 56 - Angelina Colicchio e Diogo Locci
Impressão Fotográfica: Imagens de Papel, Inova Impress
Chassis: Sylvana Cetinic
Impressão Folder: Capital Cópias
Catering: Aresta Café
Coordenação VAI: Daniel Carneiro
Equipe Centro Cultural Ruth Cardoso
Programação: Vanessa Gomes
Produção e Comunicação: Gabriel Cardoso, Douglas Macedo, William Damasceno
Equipe Fotografias
Styling: Marco Antonio e Bruno Nogueira
Assistência de Styling: Virna Lemos
Maquiagem: Artur Torres
Assistência de Produção: João Victor e Tales Dias
Modelos: Adriana Chianica, Lamberth Candeia, Edmilson Correia, Eduarda Cavalcante
Agência: RC Model e Romulo Cassiano
Serviço
O Boto
Abertura: 15 de março de 2025, sábado, 15h
Visitação: até 18 de maio de 2025, das 10h às 21h
Local: Centro Cultural da Juventude Ruth Cardoso (CCJ) - Av. Dep. Emilio Carlos, 3641, Cachoeirinha - São Paulo
Classificação indicativa: Livre
Visitação gratuita
fonte: Assessoria de Imprensa – Pevi 56