Emerald Print Exchange 2022 Call to Artists

 

Emerald Print Exchange 2022

Call to Artists

 Whiteaker Printmakers and Print Arts Northwest are delighted to announce the fifth annual Emerald Print Exchange. Join us in our mission to engage with printmakers around the world, to exhibit new works in Portland and Eugene, and to raise funds for our non-profit organizations.

Registration opens January 15!

Your Shipping Location:

         Select Your Shipping Location         Inside USOutside US       

GET REGISTERED!

How It Works

Each participating artist sends us an edition of twelve hand-pulled original prints. We send each artist ten original prints by other artists, randomly selected by us. We retain two prints from every edition we receive, to be exhibited and sold for PAN and WhitPrint fundraising.

Eligibility

The Emerald Print Exchange is open to all printmakers. It is limited to 200 participants, in order of registration.

Print Media

All forms of editionable, hand-pulled prints are acceptable, including etching/aquatint, lithography, woodcut, linocut, mezzotint, and screenprint. All prints of the edition should be consistent, using the same paper and inks throughout.

No monotypes. No giclées, reproductions, or photographs. To prevent damage to other entries, no glitter, attached objects, or 3-D, please.

Paper Dimensions

Paper size MUST be 5”x7” (127 mm x 178 mm). Over- or under-sized submissions will be disqualified and returned. Image does not need to fill the paper.

Edition Size and Identification

The complete edition must be twelve prints, each one signed and numbered (1/12 - 12/12). There should be only slight, if any, differences in your edition, so those who receive your prints will all receive consistent pieces. In keeping with standard print editioning custom, you may retain no more than 2 artist proofs (marked A/P). Titles are optional. Because of size restrictions, you may sign and number your prints on the back instead of the front. Please also print your name clearly on the back of each print.

Entry Fee

The non-refundable entry fee is $35 for US participants and $48 for international participants. ($10 off for PAN and WhitPrint members.)

Registration

You must register and pay online before shipping your prints to us. Once you register, we'll email you reminders about how and when to submit your edition.

Our online catalog and auction pages display submitted works in registration order. The sooner you register, the nearer your work will be to the top of the page.

Shipping Your Edition

Your submitted edition must be packaged in a single shipment. Slip-sheet between each print with interleaving, glassine, or newsprint.

Please allow ample time for shipment. Late shipments will be accepted or returned at our discretion. Send your shipment to:

Emerald Print Exchange
c/o Whiteaker Printmakers
1328 W. 2nd Avenue
Eugene OR 97402
USA

Dates and Deadlines

Jan 15: Official registration opening date.

May 31: Registration closes. (Note that we'll close registration as soon as 200 artists sign up, which may be before this deadline.)

July 30: Submission deadline. We must receive your shipment by this date.

Sep 1: Exchange shipments begin.

Sep 9 - 30: Gallery show in Eugene, Oregon.

Sep 9 - Oct 4: Online auction.

Your Info

After we’ve received your edition we’ll follow up to find out where and how to send your exchange to prints you. The personal information we collect from you will be used only for Emerald Print Exchange operations.

We publish images of submitted entries on our online catalog and auction pages. You’ll have the option to provide more information for these pages after we’ve received your edition.

We may also, at our discretion, use some of the images to jazz up various information promoting the Emerald Print Exchange.

Contact Us

Please email printexchange@whitprint.com if you have questions or comments.

Participants, we'll be emailing you at the address you provided when you registered. Please contact us ASAP if your email address changes!

Your Shipping Location:

         Select Your Shipping Location         Inside USOutside US       

GET REGISTERED!

The Center for Contemporary Printmaking’s Footprint International Competition 2022

 

CALL FOR ENTRIES

ENTRY DEADLINE: MARCH 12, 2022 (VIA CaFÉ) JURY NOTIFICATION: APRIL 9, 2022 OPENING RECEPTION: SUNDAY, JUNE 5, 2022, 2-4 PM EXHIBITION: JUNE 5, 2022 – AUGUST 28, 2022

ABOUT THE COMPETITION The Center for Contemporary Printmaking’s Footprint International Competition 2022, is an opportunity for the presentation of current trends and innovations in contemporary printmaking within the bounds of the one square foot (12” x 12”) configuration. The square format was uncommon in art until the advent of abstraction and presents distinct challenges of composition and expression. Within these precise limits, artists must confront a space and create visual order and formal structure. Eligibility All fine-art printmaking mediums, including woodcut, intaglio, lithography, screenprint, monotype, and original digital media may be utilized. (No drawings, photographs, or direct reproductions are eligible.) Art must be hand-pulled and generated using at least one traditional printmaking method. Computer generated art is eligible only if it incorporates other methods of hand pulled printing or handwork. Image size must be exactly 12 x 12 inches (30.5 x 30.5 cm). Outside dimensions of the printing paper may not exceed 18 x 18 inches (45.7 x 45.7 cm). Paper beyond these dimensions on accepted prints will be trimmed to the dimensions required for the exhibition. Only two-dimensional works will be accepted Prizes and Award $1,000 in cash prizes and purchase awards will be awarded. $250 Binnie Birstein Memorial Scholarship Award Above: Christine Aaron, Path, Monotype, First Place and Awagami Paper Award 2020 Download the Prospectus HERE.

HOW TO ENTER

Submissions are accepted only via CaFÉ (www.callforentry.org) by March 12, 2022. There is no additional fee to use the CaFÉ online application system. All entries must be uploaded using this online system. Please do not upload digital images that contain borders or text info that is not part of the original work. Entry Fee The submission fee is $40 for up to two entries. CCP members will receive a 50% discount code. The fee must be paid online via the CaFÉ online application system. Artists interested in becoming a CCP member CLICK HERE. ONLY WORKS SELECTED BY THE JUROR NEED TO BE DELIVERED—Please do not mail works unless notified.

Submit to this call via CaFÉ

 

MIS e Casa das Rosas apresentam instalação de Siron Franco Obra presta homenagem às vítimas da pandemia, aos profissionais de saúde e ao mesmo tempo celebra a vida;  Instalação formada por 365 manequins suspensos pode ser conferida a partir de 15 de janeiro São Paulo, janeiro de 2022 – Será preciso olhar alguns metros acima da linha dos olhos para se deparar com “Renascimento”, título da instalação inédita de Siron Franco, um dos principais artistas plástico do Brasil, composta por 365 manequins suspensos e que pretende celebrar a vida e a esperança na superação da Covid-19, além de homenagear as vítimas da pandemia e os profissionais da saúde. Em cartaz a partir do dia 15 de janeiro, no jardim do museu Casa das Rosas, a mostra é resultado de uma parceria entre o Museu da Imagem e do Som e a Casa, gerenciada pela Poiesis, ambas instituições da Secretaria de Cultura e Economia Criativa do Governo do Estado de São Paulo.   “A instalação de Siron Franco trata de um tema fundamental nos dias atuais e resulta de uma parceria estratégica entre duas instituições da Secretaria de Cultura e Economia Criativa de São Paulo”, comenta Sérgio Sá Leitão, Secretário de Cultura e Economia Criativa do Governo do Estado de São Paulo. “Com ela, a Casa das Rosas continua oferecendo arte e reflexão ao público enquanto acontece a reforma do imóvel”.   A inspiração para “Renascimento” aconteceu quando Siron Franco (1947) retirou um manequim de seu ateliê em Aparecida de Goiânia e o pendurou em um varal de arame. Ao ver a cena e o efeito daquela representação humana em forma de boneco, nasceu a instalação que traz a ideia de uma população que “flutua”. As sombras criadas especialmente pelos vestidos femininos, dão a impressão de uma festa no céu, em que todos estão dançando. “Os que se foram, representados pelos manequins, bradam pela integração dos povos, pela compreensão que devemos amar à nossa espécie e pela defesa da igualdade e dos direitos inalienáveis de todos. Nas roupas, estará estampada a frase ‘Viva a Diferença, Viva a Humanidade, Viva a América Latina!’, que reforça esse clamor”, explica Siron Franco. Os manequins, de diferentes tamanhos e volumes, ocupam o jardim da Casa das Rosas e são suspensos por um cabo de aço a seis metros do chão. Vestidos com roupas coloridas, alguns deles têm a “cabeça” coberta por um capuz que, segundo o artista “simbolizam a nossa insegurança quanto ao nosso destino. Para onde vamos?”, indaga.   A instalação é considerada por Siron uma obra que também traduz reflexões geradas pelo distanciamento social, da importância do contato físico, da celebração da vida. Para Marcos Mendonça, diretor geral do MIS, “’Renascimento’ é uma homenagem às vítimas e, ainda, à ciência e à vacina, que fazem ressurgir a esperança na vida das pessoas. O constante avanço da ciência nos traz segurança e saúde para esse recomeço, criando a perspectiva de novos e esperançosos tempos”.   A exposição acontece no período em que o imóvel da Casa das Rosas passa por restauro e as atividades do museu acontecem em seu jardim, além de por meio da internet. Para o programa do museu nesta fase, foi adotado o tema geral “Nasce morre nasce”, baseado em poema de Haroldo de Campos, que estabelece forte conexão com o título da instalação de Siron Franco.   A Casa preparou, também, ações baseadas na instalação, como oficinas literárias pelo jardim do museu. A primeira oficina – Ficções Vida – está programada para os dias 18, 20 e 27 de janeiro, das 18h às 20h, e estimulará a produção de pequenas biografias ficcionais de personagens que foram vítimas de Covid-19, abordando desde a dimensão humana à social. A segunda - Poesia de luto e de luta – acontecerá nos dias 10, 15 e 17 de fevereiro, das 18h às 20h, e focalizará no pensar e escrever sobre a morte no poema a partir da dor pessoal e coletiva. Fragmentos dos textos serão expostos posteriormente, somando com as obras de Siron Franco no jardim. As atividades são gratuitas e para participar é necessário fazer a inscrição até o primeiro dia de cada oficina, ou até o preenchimento das vagas, pelo site da Casa das Rosas (clique aqui).   O artista   Siron Franco é pintor, escultor, ilustrador, desenhista, gravador e diretor de arte. Iniciou sua trajetória fazendo e vendendo retratos até que em 1965 começou a se concentrar nos desenhos. Entre 1969 e 1971 foi morar em São Paulo e integrou o grupo que fez a exposição “Surrealismo e Arte Fantástica”, na Galeria Seta. Como pintor, alcançou o reconhecimento na 12ª Bienal Nacional de São Paulo, recebendo o prêmio de destaque que se repetiu na 13ª edição da Bienal Internacional. Em 1980, foi condecorado como melhor pintor do ano. Suas obras figuram nos mais importantes museus do Brasil e do mundo, como o Metropolitan Museum of Arts (The Met, em Nova York).   SERVIÇO  Instalação “Renascimento”, de Siron Franco  Local: Jardim da Casa das Rosas (Av. Paulista, 37)  Data: 15 de janeiro de 2022 a 20 de março de 2022  Horário: Todos os dias, das 7h às 22h  Ingresso: gratuito  Classificação: livre    OFICINAS LITERÁRIAS: Gratuitas e no jardim da Casa das Rosas. Inscrição pelo site do museu - link Ficções vida Com Carol Rodrigues e Reynaldo Damazio Terças e quintas-feiras, 18, 20 e 27 de janeiro, das 18h às 20h Inscrição até 18/01/2022 | 15 vagas   Poesia de luto e de luta Com Michaela Schmaedel e Reynaldo Damazio Terças a quintas-feiras, dias 10, 15 e 17 de fevereiro, das 18h às 20h Inscrição até 10/02/2021 | 15 vagas   SOBRE O MIS  O Museu da Imagem e do Som de São Paulo, instituição da Secretaria de Cultura e Economia Criativa do Governo do Estado de São Paulo, foi inaugurado em 1970. Além de grandes exposições nacionais e internacionais, oferece variedade de programas culturais, com eventos em todas as áreas e para todos os públicos: cinema, dança, música, vídeo e fotografia estão presentes na vida diária do Museu.  Em 2 de novembro de 2019, foi inaugurado o MIS Experience, nova unidade da instituição, com o objetivo de proporcionar a realização de exposições imersivas que se utilizem de novas tecnologias, levando o público a interagir de maneira diferente com artistas e suas obras de arte. A abertura do espaço aconteceu com a exposição Leonardo da Vinci – 500 Anos de um Gênio, experiência que possibilitou ao visitante conhecer a vida e o legado de Da Vinci.   SOBRE A CASA DAS ROSAS A Casa das Rosas – Espaço Haroldo de Campos é um museu dedicado à poesia, à literatura, à cultura e à preservação do acervo bibliográfico do poeta paulistano Haroldo de Campos, um dos criadores do movimento da poesia concreta na década de 1950. Localizada em uma das avenidas mais importantes da cidade de São Paulo, a Avenida Paulista, o espaço realiza intensa programação de atividades gratuitas, como oficinas de criação e crítica literárias, palestras, ciclos de debates, exposições, apresentações literárias e musicais, saraus, lançamentos de livros, performances e apresentações teatrais. O museu está instalado em um imponente casarão, construído em 1935 pelo escritório Ramos de Azevedo, que na época já tinha projetado e executado importantes edifícios na cidade, como a Pinacoteca do Estado, o Teatro Municipal e o Mercado Público de São Paulo.   fonte: Agência Galo | contato@agenciagalo.com

criação cenográfica e usa como base a peça ‘A Morta’, de Oswald de Andrade - Oficina Cultural Oswald de Andrade - SP

   Ateliê ensina a criação cenográfica e usa como base a peça ‘A Morta’, de Oswald de Andrade

A Oficina Cultural Oswald de Andrade promove o Ateliê de Cenografia e Cenotécnica: A Morta (Projeto Didática da Encenação) até maio. Ele contempla a montagem de um espetáculo teatral, a partir da integração de diversas oficinas, cada qual abordando uma área específica da criação cênica. Para esta edição, convidamos Cacá Toledo, da Cia Aberta de Teatro, para a direção, em um projeto de encenação do texto teatral A Morta, de Oswald de Andrade, que terá duração de 5 meses, com a temporada de estreia prevista para maio, ocupando, de maneira itinerante, os distintos espaços da Oficina Cultural Oswald de Andrade. A cenografia da peça ficará por conta de Murillo Carraro, que conduzirá um ateliê durante todo o processo criativo, colaborando para a estruturação de elementos cenográficos e estruturas cênicas. Este chamamento é destinado aos interessados em acompanhar como estagiários da área. O evento ocorre de 17 de janeiro a 28 de maio na Oficina Cultural Oswald de Andrade, na rua Três Rios, 363, no Bom Retiro, em São Paulo.

As inscrições podem ser feitas até 22 de janeiro. 

Samson Flexor: além do moderno - MAM SP

 

    Samson Flexor (Moldávia, Soroca, 1907 - São Paulo, São Paulo, Brasil, 1971), Parto, 1969.
Óleo sobre tela, 193,5 x 193,5 x 7 cm. Coleção MAM São Paulo, doação do artista, 1969. Foto: Romulo Fialdini

​

​

​

museu de arte moderna de são paulo
parque ibirapuera, portões 2 e 3
ter a dom das 10h às 18h
domingo gratuito

reserve seu ingresso

​

​

​

​

​

​

exposição A Cidade Inventada - Ione Saldanha - MASP

 

Ione Saldanha: A cidade inventada

MASP – 10.12.2021-6.3.2022
Ione Saldanha é uma figura pioneira, porém sem o devido reconhecimento na história da arte brasileira do século 20. Embora trabalhasse de maneira intuitiva, o desenvolvimento de sua obra tão rigorosa quanto poética ao longo de quase seis décadas demonstra uma extraordinária coerência. Uma série ou grupo de trabalhos se desdobra e evolui rumo ao próximo – desde as pinturas figurativas iniciais dos anos 1940 até os trabalhos abstratos nos anos 1950 e as pinturas em suportes tridimensionais a partir do final dos anos 1960.
Nesse sentido, pode-se pensar na pintura num campo expandido ou ampliado como motivo condutor do trabalho: Saldanha pintava sobre tela, papel, longas ripas de madeira, bambus, bobinas e, por fim, sobre todos de madeira empilhados. A cor e o construtivismo faziam parte do seu idioma – por um lado, suas várias paletas de cores ao longo dos anos são tão singulares quanto arrebatadoras; por outro, a geometria e a verticalidade sempre foram referências muito fortes na construção de seus trabalhos. No centro da obra de Saldanha há uma preocupação com uma certa representação ou invenção da cidade e da arquitetura, fosse ela real ou imaginada, daí o título desta exposição: Ione Saldanha: a cidade inventada. Nesse contexto, a artista passou das paisagens urbanas iniciais a construções arquitetônicas progressivamente abstratas, representadas de maneira fluida, delicada e orgânica, sempre trazendo a marca da mão da artista visível na superfície das pinturas, seja ela bidimensional ou tridimensional. Os Bambus, seus trabalhos mais icônicos, complexos, e verdadeiramente inovadores, são esculturas eretas que evocam a cultura brasileira popular e vernacular. De caráter antropomórfico, fazem referência tanto à cidade e à floresta, quanto ao sujeito que as habita, adquirindo uma qualidade instalativa sobretudo quando expostos em conjuntos.

Ainda que seja possível identificar uma série de preocupações em comum em seu trabalho e no de alguns de seus hoje consagrados contemporâneos (como Hélio Oiticica, Lygia Clark e Lygia Pape), Ione Saldanha nunca se associou a qualquer grupo ou movimento, algo incomum nos círculos artísticos brasileiros de meados do século passado. Em vez disso, a artista desenvolveu uma trajetória bastante reservada que lhe permitiu focar em seu trabalho tanto excepcional quanto prolífico, explorando múltiplas relações, diálogos e cruzamentos: entre abstração e figuração, geometria e paisagem, hard edge e artesanal, representação e apresentação, pintura e escultura, arte e vida, tudo imbuído de singulares e sutis combinações de cores.

O título desta exposição é inspirado no de uma mostra individual da artista intitulada Cidade inventada , realizada na Galeria Relevo no Rio de Janeiro, em 1962.

CURADORIA Adriano Pedrosa, diretor artístico, MASP

fonte:  Circuito Art

exposição OSGEMEOS: Segredos - Museu Oscar Niemeyer - Curitiba

 

A exposição “OSGEMEOS: Segredos”, realizada pelo MON, alcança 100 mil visitantes Inaugurada em setembro de 2021 pelo Museu Oscar Niemeyer (MON), a mostra “OSGEMEOS: Segredos” contabilizou até agora 100 mil ingressos vendidos e continua em cartaz até abril deste ano. É a maior exposição já realizada pelos artistas. Ingressos devem ser adquiridos on-line, com horários agendados.    A mostra realizada em Curitiba é uma produção original da Pinacoteca de São Paulo em parceria com o MON, apresentada pela Copel e viabilizada pelo Governo do Estado do Paraná.   Estão reunidos mais de 850 itens, entre pinturas, instalações imersivas e sonoras, esculturas, intervenções site specific, desenhos e cadernos de anotações dos artistas. A exposição ocupa todos os espaços expositivos da Torre e do Olho do MON e os ingressos podem ser agendados pelo site do Museu.   OSGEMEOS A dupla de artistas formada pelos irmãos Gustavo e Otávio Pandolfo (São Paulo, 1974) construiu uma trajetória no mundo das artes sem nunca ter perdido de vista o desejo de manter-se acessível ao grande público.   Esse percurso inclui a participação em mostras nas principais instituições internacionais, como o Hamburger Bahnhof, em Berlim, em 2019, com um projeto concebido em parceria com o grupo berlinense de breakdance Flying Steps – um dos mais premiados mundialmente; a Vancouver Biennale, no Canadá (2014); o MOCA – Museum of Contemporary Art, em Los Angeles (2011); o MOT – Museum of Contemporary Art Tokyo, em Tóquio, no Japão (2008); a Tate Modern, em Londres, no Reino Unido (2008), onde os artistas pintaram a fachada, e a Trienale de Milão (2006), entre outros. Ao longo de sua carreira, os irmãos também receberam convites para criar para os principais espaços públicos de mais de 60 países, incluindo Suécia, Alemanha, Portugal, Austrália, Cuba, Estados Unidos – com destaque para os telões eletrônicos da Times Square, em Nova York (2015) –, entre outros.   SOBRE O MON O Museu Oscar Niemeyer (MON) é patrimônio estatal vinculado à Secretaria de Estado da Comunicação Social e da Cultura do Paraná. A instituição abriga referenciais importantes da produção artística nacional e internacional nas áreas de artes visuais, arquitetura e design, além de grandiosas coleções asiática e africana. No total, o acervo conta com mais de 9 mil peças, abrigadas em um espaço superior a 35 mil metros quadrados de área construída, sendo 17 mil metros quadrados de área para exposições, o que torna o MON o maior museu de arte da América Latina. Os principais patrocinadores da instituição, empresas que acreditam no papel transformador da arte e da cultura, são: Copel, Sanepar, Grupo Volvo América Latina, Vivo, Grupo Focus e Moinho Anaconda.   Serviço “OSGEMEOS: Segredos” Produção original da Pinacoteca de São Paulo Até 3 de abril de 2022 Museu Oscar Niemeyer (MON) Ingressos à venda no site: www.museuoscarniemeyer.org.br Para visitar as demais exposições, os ingressos podem ser adquiridos na bilheteria física ou on-line.

Museu Oscar Niemeyer Rua Marechal Hermes, 999, Centro Cívico CEP 80530.230 - Curitiba | PR +55 41 3350-4400

exposição coletiva Máscaras: fetiches e fantasmagorias - Paço das Artes

 

Paço das Artes recebe exposição coletiva Máscaras: fetiches e fantasmagorias   Gratuita, a visitação é de terça a sábado das 11h às 19h, domingos e feriados das 12h às 18h; O espaço segue os protocolos das autoridades sanitárias de controle à pandemia; A mostra coletiva “Máscaras: fetiches e fantasmagorias”, presente no Paço das Artes - instituição que pertence à Secretaria de Cultura e Economia Criativa do Estado de São Paulo, exibe trabalhos de quinze artistas contemporâneos e conta com a curadoria de Mirtes Marins de Oliveira. A exposição reúne pinturas, esculturas e instalações que estimulam a reflexão em torno de representações de corpos e objetos, personagens da história da arte, costumes e práticas da sociedade.   A exposição reúne obras dos artistas André Azevedo, Denilson Baniwa, Panmela Castro, Gustavo von Ha, Adão Iturrusgarai, Niobe Xandó, Leonilson, Giuseppe Capogrossi, Luisa Paraguai, Letícia Parente, Gretta Sarfaty, Antony Gormley, Martha Araújo, Efigênia Rolim, Gustavo Torrezan.   Organizada a partir de eixos que se entrecruzam e se sobrepõem, as obras dialogam com símbolos e têm por objetivo desorganizar, desconstruir e questionar as representações e a finalidade de objetos do cotidiano. A mostra também apresenta os conceitos das máscaras, fetiches, fantasmagorias ao longo da história.   Por dentro da exposição   Entre os destaques está o curta-metragem autobiográfico “Penumbra” de Panmela Castro.   A artista visual, ativista, grafiteira e performer registrou neste trabalho noites de solidão em seu ateliê durante a quarentena de 2020, apresentando o desdobramento de um grave problema social: o racismo.   Na performance “Pajé Onça” o artista visual e comunicador do Movimento Indígena Amazônico, Denilson Baniwa, revela a conexão do nosso universo com outros mundos (dos animais, das plantas e do invisível), guiado pelo pajé Maliri, membro mais forte e com maior conhecimento do povo Baniwa.   A pintora, artista multimídia com foco em fotografia e performance, Gretta Sarfaty apresenta a série de fotografias “Auto-Fotos I, II e III”. A artista busca questionar a representação do corpo como um lugar de transformação e passagem, além de abordar questões de certos regimes visuais.   Cartunista, humorista, escritor e artista visual, Adão Iturrusgarai, integra a exposição com a série Fetiche (Carros). As pinturas exibem veículos e máquinas, emblemas de força, rapidez e empoderamento, que se fundem aos corpos e as características humanas.   Também merece destaque a instalação “Cast Iron” na qual Antony Gormley representa um triplo fascínio e ponto de inflexão sobre os corpos na história da arte ocidental, a conexão com meditações filosóficas sobre futuros planetários e o de sua inserção em circuito mundial. O mesmo se dá com o artista Leonilson, cuja obra afetiva e existencial, marcada pela tragédia geracional do HIV, materializa o desejo de transcendência do tempo mundano por meio de símbolos extraídos da iconografia católica.   Já o artista, pesquisador, educador, Gustavo Torrezan exibe a escultura “Bandeirante”. O trabalho associa dois momentos da história: as recentes manifestações patrióticas ocorridas desde o segundo mandato da primeira presidenta eleita, cujos manifestantes fazem uso da camiseta amarela da equipe de futebol, com o bandeirantismo, quando colonizadores faziam uso de cavalos para assolar os povos originários.     SERVIÇO Exposição “Máscaras: fetiches e fantasmagorias” de Mirtes Marins de Oliveira Até 13/03/22 Terça a sábado das 11h às 19h, domingos e feriados das 12h às 18h Rua Albuquerque Lins, 1331 - Higienópolis, São Paulo/SP Grátis   Paço das Artes www.pacodasartes.org.br | www.mapa.pacodasartes.org.br   fonte: Agência Galo | contato@agenciagalo.com

oficina presencial “As Polaroides (In)Visíveis e o Descondicionamento do Olhar” TOM LISBOA - MON - Curitiba

 

MON oferece oficina presencial com Tom Lisboa O Museu Oscar Niemeyer (MON) realiza, na próxima quarta-feira (8/12), a oficina “As Polaroides (In)Visíveis e o Descondicionamento do Olhar” com o fotógrafo e artista visual Tom Lisboa. A ação é presencial e acontece no Espaço de Oficinas do MON, com vagas limitadas. Além de artista, Tom é professor de cinema e fotografia, curador independente e está radicado em Curitiba desde 1987. É um dos 20 artistas que expõem obras na exposição “Afinidades”, em cartaz na Sala 7 do MON. A oficina propõe uma reflexão sobre a descoberta de um espaço a partir da atenção aos detalhes e exercício de consciência. Para participar, basta preencher o formulário disponível em bit.ly/OficinaTomLisboa. Para mais informações, basta entrar em contato pelo e-mail educativo@mon.org.br ou pelo telefone 41- 3350-4448. A ação é gratuita e indicada para pessoas acima de 16 anos. SOBRE O MON O Museu Oscar Niemeyer (MON) é patrimônio estatal vinculado à Secretaria de Estado da Comunicação Social e da Cultura do Paraná. A instituição abriga referenciais importantes da produção artística nacional e internacional nas áreas de artes visuais, arquitetura e design, além de grandiosas coleções asiática e africana. No total, o acervo conta com mais de 9 mil peças, abrigadas em um espaço superior a 35 mil metros quadrados de área construída, sendo 17 mil metros quadrados de área para exposições, o que torna o MON o maior museu de arte da América Latina. Os principais patrocinadores da instituição, empresas que acreditam no papel transformador da arte e da cultura, são: Copel, Sanepar, Grupo Volvo América Latina, Vivo, Grupo Focus e Moinho Anaconda.   Serviço Oficina presencial “As Polaróides (In)Visíveis e o Descondicionamento do Olhar” Com o fotógrafo e artista visual Tom Lisboa 8 de dezembro, às 14h Espaço de Oficinas Museu Oscar Niemeyer Rua Marechal Hermes, 999 www.museuoscarniemeyer.org.br