exposição Metal Etéreo - Olavo Machado - BH/MG

 

Olavo Machado apresenta exposição Metal Etéreo no MM Gerdau - estreia 09/04

Celebrando o Dia Nacional do Aço, a Gerdau e o Governo de Minas lançam exposição inédita com trabalho do designer e artista Olavo Machado Neto no MM Gerdau - Museu das Minas e do Metal, na Praça da Liberdade. As obras exploram as formas primárias com o objetivo de provocar reflexões sobre o espaço, o vazio e a matéria. 

Buscando dar continuidade ao seu processo de investigação e experimentação das potencialidades e possibilidade do aço no seu trabalho, o designer e artista Olavo Machado Neto concebeu uma série de obras feitas com aço da Gerdau que, apesar das referências e de sua identidade, extrapolam tudo que ele já desenvolveu anteriormente com o material. O que apresenta agora com a esta exposição é algo que ele define como uma espécie de moldura para o vazio. “O aço tem um papel central em meu trabalho, sendo uma pesquisa contínua desde o começo de minha carreira. Para a criação destas peças, fiz uma imersão nas características estruturais e de leveza do material. Ao combinar com formas primárias, presentes no nosso inconsciente, a tentativa é de provocar uma reflexão sobre o espaço, o vazio e, em um segundo momento, o material que estrutura as peças”, sintetiza Olavo Machado Neto.

O resultado de todo este processo pode ser conferido na exposição “Metal Etéreo”, que será inaugurada no dia 09 de abril e segue até 07 de maio, no MM Gerdau - Museu das Minas e do Metal, localizado na Praça da Liberdade, em Belo Horizonte (MG). A mostra é patrocinada pela Gerdau por meio da Lei Estadual de Incentivo a Cultura de Minas Gerais e reunirá 12 peças únicas, além de alguns desdobramentos, que agrupados, irão formar outras obras.

“A Gerdau, historicamente, apoia e reconhece importantes manifestações artísticas que reforçam a riqueza cultural de Minas Gerais”, afirma o diretor executivo da Gerdau, Wendel Gomes. “O aço é um material maleável, durável, e totalmente reciclável. E são essas características que artistas renomados, como o Olavo, têm explorado nas suas expressões artísticas”, completa.

A curadoria da exposição é assinada por Christian Larsen, que também é curador de Design Moderno e Artes Decorativas do Metropolitan Museum of Art, em Nova York, respondendo por uma enorme coleção com itens que vão desde 1900 até os dias atuais. Antes do Metropolitan, Larsen foi, por 8 anos, curador do Departamento de Arquitetura e Design de Museu de Arte Moderna de Nova York. Christian aponta que, durante o processo de concepção das obras, sua atuação teve como foco a contribuição para o desenvolvimento de um olhar crítico para as peças. “Fiz links entre os conceitos e formas do trabalho de Olavo Machado com artistas e movimentos históricos, contextualizando e ressaltando a inovação e a contribuição na linguagem artística dele com estes trabalhos”, aponta o curador.

“É muito enriquecedor ter a curadoria de um especialista em design deste calibre. Através de sua análise, consegui desenvolver novos olhares sobre o desenvolvimento do pensamento, tanto criativo quanto produtivo. Ele é capaz de enxergar essa origem da pesquisa, relacioná-la com o atual momento atual e também com o que já foi feito, tanto no design quanto na arte, e assim, colocar luz, orientar na construção da narrativa para durante todo o processo de concepção das obras”, analisa Olavo Machado Neto.

Sobre Olavo Machado Neto

 Nascido em Belo Horizonte em 1975, Olavo Machado é artista e designer. Formado em Administração de Empresas, descobriu sua paixão pelo design ao ingressar na UEMG e deu continuidade à sua formação em Milão, na Itália.  

Em sua carreira como designer, Olavo acumula importantes prêmios nacionais, como o IDEA Brasil, e vem sendo reconhecido desde 2016 com premiações internacionais, como o Iconic Awards Innovative Interiores. Desde 2010, participa regularmente de mostras ao redor do mundo como a ICFF( Nova Iorque), Salone Satellite(Milão), a Valencia Design Week(Valência), a Brasil S/A(Milão), a DMAIS Design(BH), a MADE SP, a BH Design Festival, entre outras.

Sempre foi muito influenciado pelos materiais da região que estão há anos enraizados no coração do Brasil. O designer estuda a interseção entre arte e cotidiano. Seu trabalho sempre nos brinda com algo novo, seja no uso dos materiais ou na finalização de objetos tradicionais, que possuem formas limpas e harmônicas.

Instagram: @olavomachadoneto /@omnstudio

 

Sobre a Gerdau

A Gerdau é a maior empresa brasileira produtora de aço e uma das principais fornecedoras de aços longos nas Américas e de aços especiais no mundo. No Brasil, também produz aços planos, além de minério de ferro para consumo próprio. Com o propósito de empoderar pessoas que constroem o futuro, a companhia está presente em 9 países e conta com mais de 30 mil colaboradores diretos e indiretos em todas as suas operações. Maior recicladora da América Latina, a Gerdau tem na sucata uma importante matéria-prima: 73% do aço que produz é feito a partir desse material. Todo ano, são 11 milhões de toneladas de sucata que são transformadas em diversos produtos de aço. As ações da Gerdau estão listadas nas bolsas de valores de São Paulo (B3), Nova Iorque (NYSE) e Madri (Latibex).

 

Serviço

Exposição Metal Etéreo, de Olavo Machado Neto

Curadoria: Christian Larsen

Visitação: de 09 de abril a 07 de maio de 2022

Entrada Franca de terça a sábado, das 11h às 18h, e nas quintas-feiras, das 11h às 21h.

Excepcionalmente no dia 09/04, sábado, a visitação será das 12 às 18 horas

MM Gerdau (último piso)  - Praça da Liberdade, s/no - Prédio Rosa - Belo Horizonte/MG

Informações completas no site: www.mmgerdau.org.br

Visitas virtuais pelo Google Arts&Culture

concurso Ação Arte na Lata

Ação Arte na lata - melhor que um freela, da Vinícola Góes, tem inscrições até 17 de abril

Concurso da vinícola paulista, que tem como embaixador o influencer Welker Maciel, premiará vencedor com R$ 5 mil reais e um ano de vinho SAUV

A ação “Arte na lata – melhor que um freela”, promovida pela Vinícola Góes continua agitando os profissionais de arte. O concurso desafia os participantes a desenvolver um novo design para a edição especial da linha de vinhos finos em lata Sauv, composta por quatro versões: vinho branco, vinho fino tinto, vinho frisante rosé e vinho frisante branco suave, todas com 269 ml.

A campanha tem como embaixador o creator Welker Maciel, que divulga a ação em suas redes sociais – como o Instagram.

O vencedor do concurso terá o seu trabalho estampado nos produtos de uma das maiores vinícolas do Brasil, além de ganhar R$ 5 mil e um ano de Sauv. então corra. O resultado será divulgado em 22 de maio.

Concurso

Os concorrentes precisam ter 18 anos ou mais e, junto com o design proposto, deverão enviar um texto que explique o conceito desenvolvido e o motivo pelo qual sua arte deve ser escolhida. A proposta escolhida ganhará um prêmio de R$ 5.000, uma visita vip à Vinícola Góes com acompanhante e mais um ano de Sauv grátis (24 latas/mês).

Para participar do concurso cultural ARTE NA LATA - MELHOR QUE UM FREELA, você deverá:

1. Seguir o perfil @vinicolagoes no Instagram;
2. Compartilhar a arte criada no próprio perfil do Instagram, através do stories ou feed, marcando o perfil da @vinicolagoes e as hashtags do concurso: #MandaUmSauv , #SeJogaNaArte, #ArteNaLata;
3. Se inscrever, enviar a arte e o texto na página do concurso, link: https://www.concursoartenalata.com.br/.

Sobre a empresa:

A Vitivinícola Góes é uma empresa 100% brasileira, com sede na cidade de São Roque, estado de São Paulo, Brasil. A empresa possui vinhedos próprios, modernas instalações de processamento, produção, engarrafamento de bebidas e envase para latas. A linha de produtos inclui vinhos, espumantes, frisantes, bebidas mistas e sucos. Os vinhos finos Góes, produzidos com uvas paulistas, vêm sendo premiados nacional e internacionalmente. A marca Góes é destaque entre consumidores e uma das líderes de mercado no varejo (de acordo com a Nielsen) e Top of Mind (registrado pela Revista Supermercado Moderno) no estado de São Paulo. O complexo enoturístico e gastronômico (localizado junto da sede da empresa) faz parte do Roteiro do Vinho da cidade de São Roque e oferece uma destacada infraestrutura, proporcionando experiências e encantamento. Para mais informações sobre os atrativos turísticos, visite as redes sociais da empresa no Facebook e Instagram (@vinicolagoes). 

 

exposição TRANSVER - um olhar para a coleção de Arte Sesc Brasil - SESC Paraty

 

Coleção de Arte Sesc Brasil reúne acervo de artes visuais com cerca de 5 mil obras

Obras de artistas como Beatriz Milhazes e Nuno Ramos compõem a coleção, que passará por catalogação única

O trabalho realizado pelo Sesc para fomentar o setor de artes visuais resultou em um conjunto de aproximadamente 5 mil obras, que foram incorporadas ao longo dos anos a partir da doação de artistas e compra direta. A Coleção de Arte Sesc Brasil é composta por acervos da instituição de todos os estados e representa o retrato da diversidade da cultura brasileira, contando com peças de artistas consagrados como Di Cavalcanti, Lasar Segall, Adriana Varejão, Beatriz Milhazes, Carlos Vergara, Conceição dos Bugres, Francisco Brennand, J. Borges, Tomie Ohtake, entre outros. O acervo passará por catalogação única como forma de ampliar a proposta do Sesc de promover a diversidade artística nacional e a aproximação do público com as obras. O Sesc mantém 174 espaços de exposição no país e realiza mostras coletivas e individuais cotidianamente em suas diversas unidades. Nos últimos cinco anos, a instituição promoveu 13 mil exposições, que receberam mais de 18 milhões de visitas. Essa prática contínua de realização de mostras foi fundamental para a organização da Coleção de Arte Sesc Brasil, que cataloga todas as obras que pertencem ao Sesc no país e tem como característica a diversidade de autores, conceitos, técnicas e suportes artísticos. Para a organização deste acervo, a instituição está trabalhando para atualizar as informações técnicas de inventário e catalogação das obras, além de elaborar um documento único que padronize as referências das obras de arte. “O Sesc está implementando parâmetros museológicos essenciais para a conservação, documentação, pesquisa e divulgação das obras”, conta Lucia Prado, Diretora de Programas Sociais do Departamento Nacional do Sesc. “A Coleção de Arte Sesc Brasil visa proporcionar a democratização do acesso ao patrimônio cultural brasileiro, aproximando o público, por meio de exposições com obras que compõem o acervo”, afirma Marcos Rego, Gerente de Cultura.   A iniciativa é ainda fundamental para tornar público o acervo, permitindo a pesquisadores o acesso a esses bens sob a guarda do Sesc e o empréstimo a instituições e museus. Também faz parte do projeto a disponibilização futura de um canal público de consulta sobre a Coleção. Exposição Transver A pesquisa desenvolvida sobre o acervo do Sesc motivou a criação de uma exposição intitulada Transver, um olhar para a coleção de Arte Sesc Brasil, apresentada ao público no Polo Sociocultural Sesc Paraty, com trabalhos de artistas de todas as regiões do país, entre eles os consagrados Beatriz Milhazes e Nuno Ramos e outros artistas emergentes como Sérgio Adriano, Leo Bitar, Juliana Crispe e Leandro Pereira. O título da mostra foi inspirado na poesia do mato-grossense Manoel de Barros, que escreveu “É preciso transver o mundo”, lançando um convite para a prática do olhar desacostumado e curioso. A organização da coleção possibilitará a criação de outras exposições a partir do trabalho da equipe do Sesc e por curadores convidados com recortes que trarão a extensão do acervo da instituição no país. Mais Informações: CDN Comunicação | sesc@cdn.com.br Gabrielle Laranjeira – 21 99095-3076 Lana Esch – 21 99337-9568 Renata Piñeiro – 21 3626-3752

mostra "Viúvas de Maridos Vivos" - Leandro Junior - Museu de Arte Sacra

 Artista mineiro traz ao Museu de Arte Sacra obras feitas com barro do Vale do Jequitinhonha

Mostra de Leandro Junior intitulada "Viúvas de Maridos Vivos" retrata as mulheres que se veem sozinhas enquanto os maridos viajam em busca de trabalho

Pinturas com mais de dois metros de altura, feitas com barro das encostas do Vale do Jequitinhonha. De uma relação visceral do artista Leandro Júnior com o território, os habitantes e as histórias de sua região em Minas Gerais nasce a individual Viúvas de Maridos Vivos. As obras compõem a nova exposição do Museu de Arte Sacra de São Paulo - MAS / SP, instituição da Secretaria de Cultura e Economia Criativa do Estado de São Paulo, sob curadoria de Simon Watson.

As chamadas "viúvas de maridos vivos" são comuns no Jequitinhonha: mulheres que se veem sozinhas – com o roçado, os filhos e todas as obrigações do lar – enquanto os maridos viajam para a colheita do café ou da cana, chegando a passar meses ou anos longe. Leandro, ele também filho de uma "viúva", retratou 12 delas, sempre de costas e carregando utilitários na cabeça: lata de querosene, balaio, gamela, trouxa, saco, botija, lenha, bateia, pote de barro, bacia, leiteira. "São mulheres fortes, autônomas, protagonistas e independentes, vivendo como matriarcas numa sociedade patriarcal", sugere o curador Simon Watson.

A exposição marca a primeira individual museológica de Leandro Júnior, pintor e escultor figurativo que se inspira na forte cultura e intimidade fomentadas de forma única no vale rural do Jequitinhonha, localizado no sertão de Minas Gerais. Nascido e criado na Chapada do Norte, ele vem desenvolvendo sua arte a partir do barro que ele mesmo extrai e refina, para ser aplicado em telas, ou modelado e queimado em um forno de barro, para se tornarem esculturas.

"Desde o primeiro contato com as obras de Leandro, há mais de quatro anos, tive o prazer de fazer três viagens ao Jequitinhonha onde ele me apresentou o povo e os costumes da região e os jovens do Quilombo de Cuba, onde atuava como professor. Este é realmente um lugar de pessoas humildes e generosas, imersas numa história viva e tumultuada ", diz o curador.

Padroeira do Quilombo de Cuba, a figura de Nossa Senhora Aparecida inspira fé em Leandro e em sua família. O artista já tinha feito uma estátua da santa, mas resolveu fazer uma representação em maior escala, com caraterísticas Afro e expressão serena, esculpida ao longo de várias semanas de trabalho diretamente no jardim do museu. "É uma figura que me traz muita força", conta o artista, que prepara argila em tons pretos e avermelhados para chegar ao resultado e construiu um forno na área externa do museu especialmente para a queima da escultura. "Nunca tinha feito nada nesse tamanho e dividi a composição da estátua em oito partes", antecipa o artista.

Completa a exposição um teaser da série documental que o diretor brasileiro radicado em Nova York Diego Kelman Ajuz está produzindo no Jequitinhonha. O plano inicial era fazer uma série de vídeos curtos com entrevistas das viúvas retratadas por Leandro, mas a força dos depoimentos motivou o diretor a fazer um projeto maior, em nove episódios. "É uma chance de recontar a história do Brasil sob novos ângulos e longe dos clichês", sugere Ajuz, que encontrou ali mulheres com valores e sabedorias que passam longe do conhecimento escolar/acadêmico. "Muitas delas não sabem ler nem escrever, mas falam olhando no olho, num contato direto, sem tanto ruído, donas de uma força e uma presença que nós talvez tenhamos perdido."

Projeto LUZ Contemporânea

LUZ Contemporânea é um programa de exposições de arte contemporânea que se desdobra em eventos e ações culturais diversas, públicas e privadas. Desenvolvido pelo curador Simon Watson, o projeto, atualmente, encontra-se baseado no Museu de Arte Sacra de São Paulo. Nesse espaço, LUZ Contemporânea apresenta exposições temáticas de artistas convidados, de modo a estabelecer diálogos conceituais e materiais com obras do acervo histórico da instituição. Embora fortemente focada no cenário artístico brasileiro atual, LUZ Contemporânea está comprometida com uma variedade de práticas, cultivando parcerias com artistas performáticos e organizações que produzem eventos de arte.

 

Viúvas de Maridos Vivos – Mostra de Leandro Junior

Curadoria: Simon Watson

Abertura: 03 de abril de 2021, às 11h. Duração: de 3 de abril a 5 de junho

Local: Museu de Arte Sacra de São Paulo | MAS/SP

Endereço: Avenida Tiradentes, 676 – Luz, São Paulo (ao lado da estação Tiradentes do Metrô)

Tel.: 11 3326-5393

Horários: De terça-feira a domingo, das 11h às 17h (entrada permitida até as 16hs)

Ingresso: R$ 6,00 (Inteira) | R$ 3,00 (meia entrada nacional para estudantes, professores da rede privada e I.D. Jovem - mediante comprovação) | Grátis aos sábados | Isenções: crianças de até 7 anos, adultos a partir de 60, professores da rede pública, pessoas com deficiência, membros do ICOM, policiais e militares - mediante comprovação

Compra de Ingressos: Sympla

Site: www.museuartesacra.org.br

Instagram: https://www.instagram.com/museuartesacra/

Facebook: https://www.facebook.com/MuseuArteSacra

Twitter: https://twitter.com/MuseuArteSacra

YouTube: https://www.youtube.com/MuseuArteSacra

Google Arts & Culture: https://bit.ly/2C1d7gX

 

Informações complementares

 

O artista – Leandro Júnior

Leandro Júnior de Sousa é pintor e escultor. Nascido no Vale Jequitinhonha, em Minas Gerais, estudou arte na Faculdade São Luiz de Jaboticabal, no interior de São Paulo. Nos últimos três anos, participou de exposições individuais e coletivas em galerias e museus, entre eles: Central Galeria, São Paulo (agosto 2020); Museu Nacional da República, Brasília (outubro de 2020); Slag Gallery, Nova York (abril de 2021); Instituto Santo Amaro, São Paulo (maio 2021); Museu de Arte Sacra, São Paulo (junho de 2021); e Centro Cultural Recanto das Artes, Vale do Jequitinhonha (agosto de 2021). Leandro Júnior foi bolsista integral da Simon Watson Arts - Artist in Residence, São Paulo (2019 a 2022). Além da prática artística, possui dez anos de experiência como docente, trabalhando com jovens adultos do Centro de Referência da Assistência Social (CRAS), com adolescentes do Quilombo de Cuba e com outras comunidades quilombolas no Vale do Jequitinhonha.

 

O curador – Simon Watson

Nascido no Canadá e criado entre Inglaterra e Estados Unidos, Simon Watson é curador independente e especialista em eventos culturais baseado em Nova York e São Paulo. 

 O museu

O Museu de Arte Sacra de São Paulo, instituição da Secretaria de Cultura e Economia Criativa do Estado de São Paulo, é uma das mais importantes do gênero no país. É fruto de um convênio celebrado entre o Governo do Estado e a Mitra Arquidiocesana de São Paulo, em 28 de outubro de 1969, e sua instalação data de 29 de junho de 1970. Desde então, o Museu de Arte Sacra de São Paulo passou a ocupar ala do Mosteiro de Nossa Senhora da Imaculada Conceição da Luz, na avenida Tiradentes, centro da capital paulista. A edificação é um dos mais importantes monumentos da arquitetura colonial paulista, construído em taipa de pilão, raro exemplar remanescente na cidade, última chácara conventual da cidade. Foi tombado pelo Instituto do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional, em 1943, e pelo Conselho de Defesa do Patrimônio Histórico, Artístico e Arquitetônico do Estado de São Paulo, em 1979. Tem grande parte de seu acervo também tombado pelo IPHAN, desde 1969, cujo inestimável patrimônio compreende relíquias das histórias do Brasil e mundial. O Museu de Arte Sacra de São Paulo detém uma vasta coleção de obras criadas entre os séculos 16 e 20, contando com exemplares raros e significativos. São mais de 10 mil itens no acervo. Possui obras de nomes reconhecidos, como Frei Agostinho da Piedade, Frei Agostinho de Jesus, Antônio Francisco de Lisboa, o “Aleijadinho” e Benedito Calixto de Jesus, entre tantos, anônimos ou não. Destacam-se também as coleções de presépios, prataria e ourivesaria, lampadários, mobiliário, retábulos, altares, vestimentas, livros litúrgicos e numismática.

 

MUSEU DE ARTE SACRA DE SÃO PAULO – MAS/SP

exposição “3 X HILDA” - Hilda Hilst, Beatriz Abdalla, Egas Francisco, Olga Bilenky - SP

 

 

Hilda Hilst

 

A Biblioteca Mário de Andrade – BMA, instituição da Secretaria Municipal de Cultura de São Paulo, abre a exposição “3 X HILDA”, conceituada por Jurandy Valença e sob curadoria de Maíra Endo. A mostra é composta por 21 trabalhos em técnicas e suportes diversos como aquarelas, técnica mista, e pintura a óleo de Beatriz Abdalla, Egas Francisco, Olga Bilenky, desenhos originais de Hilda Hilst além de um exemplar original de Oswald de Andrade do livro ‘Poesias Reunidas’ 1 º edição com dedicatória.

No ano da comemoração do centenário da Semana de Arte Moderna de 1922, a Biblioteca Mário de Andrade abriga uma homenagem a Hilda Hilst (1930- 2004), um dos nomes mais consagrados da literatura brasileira e herdeira do modernismo. Uma referência cultural, Hilda Hilst não estava presente na Semana de 22 mas sua relação com o modernismo é palpável. Conheceu e tornou-se amiga de Oswald de Andrade nos anos de 1920 e, anos depois, é por ele citada mesmo antes de publicar seu primeiro livro. O espírito estava presente.

A exposição “3 X Hilda” exibe uma característica de Hilda pouco conhecida: “a da escritora que também desenhava e que manteve em vida uma estreita aproximação não só com as artes visuais mas com vários artistas com os quais conviveu desde a década de 1950”, explica Jurandy Valença. Aos cinco desenhos de sua autoria, juntam-se imagens, desenhos e pinturas de autoria de três artistas visuais, de diferentes gerações: Beatriz Abdalla, Egas Francisco e Olga Bilenky, os dois últimos a conheceram e com ela conviveram.

Na mostra, Hilda Hilst é exibida por ângulos diferentes, vertentes mais delicadas, humanas e carinhosas. Olga Bilenky, amiga que com ela manteve contato desde os anos 1970 até sua morte, hoje mora e trabalha na Casa do Sol - sede do Instituto Hilda Hilst, e sua pintura com cores fortes e mais escuras apresenta animais, mandalas, a casa com seus muros e jardins, trazendo uma Hilda mais íntima. As pinturas de Egas Francisco, expressionistas, registram além do retrato da autora, pois “elas também parecem atravessar sua carne para alcançar a alma”, explica Valença. E por fim Beatriz Abdalla, mineira radicada em Campinas, não conheceu Hilda em vida, mas após uma imersão de sete meses em sua obra criou uma série de desenhos feitos com aquarela, nanquim, lápis de cor e caneta, itens semelhantes aos usados por Hilda. “Beatriz evoca o universo mágico, alquímico e cabalístico da autora, exibindo uma Hilda Hilst que sempre teve a escrita como uma grande alquimia”, elucida Jurandy Valença.

No dia da abertura de “3 X HILDA” a BMA apresenta mais um evento:

·         Das 11 às 13hs, uma conversa aberta ao público com participação dos três artistas convidados - Beatriz Abdalla, Egas Francisco, Olga Bilenky - e curadora - Maíra Endo, com mediação de Roberta Ferraz. Na ocasião, vão dialogar sobre a relação e convivência com a autora homenageada, e como ela influenciou e inspirou suas respectivas produções.

 

Complementando com ações sobre o tema, nos dias 13 e 27 de abril, sempre às 19h, será exibido o filme "HILDA HILST PEDE CONTATO", com direção de Gabriela Greeb. Misturando diferentes estilos narrativos, ficção com realidade e de forma não linear, o filme explora o cerne do pensamento hilstiano e diferentes elementos da obra da autora. Hilda Hilst, poeta paulista falecida em 2004 e uma das mais importantes vozes da literatura brasileira, volta para a Casa do Sol, chácara onde vivia em Campinas, e convida intelectuais, pensadores, poetas e amigos para um encontro com o objetivo de estabelecer contato entre os vivos e os mortos.

 

 

Exposição: “3 X HILDA”

Artistas: Hilda Hilst, Beatriz Abdalla, Egas Francisco, Olga Bilenky

Curadoria: Maíra Endo

Conceito: Jurandy Valença

Produção executiva: Rafael Augusto

Assistente de produção: Caroline Carreiro

Abertura: 02 de abril – sábado – das 11h às 14h

Período: de 02 de abril a 01 de maio de 2022

Local: Biblioteca Mário de Andrade || BMA

Endereço: Rua da Consolação, 94, República – São Paulo

Tel.: (11) 3150-9457

Horários: De segunda-feira a domingo, das 10h às 18h. (todos os dias)

Ingresso: grátis

OBRIGATÓRIO USO DE MÁSCARA E APRESENTAÇÃO DE COMPROVANTE DE VACINAÇÃO

 

fonte : Balady comunicação

mostra Espuma Delirante - Rafael Silveira

 

foto:  Ignacio Aronovich § Artista paranaense Rafael Silveira, que já passou por espaços e galerias de Curitiba, Rio de Janeiro, Milão, Nova Iorque e Londres, retorna a São Paulo com grande exposição individual;   § Mostra abrange todos os públicos e realça a característica do artista em conciliar técnicas clássicas de pintura com ampla utilização tecnológica no desenvolvimento das obras;   § A mostra no 20º andar terá iluminação, sonorização, imagens que se movem, esculturas derretidas, paredes animadas e quadros que piscam.  São Paulo, março de 2022 – O Farol Santander São Paulo dá sequência em sua programação cultural e anuncia a abertura de uma das exposições mais aguardadas do calendário de 2022. A mostra Espuma Delirante de Rafael Silveira, com curadoria de Baixo Ribeiro (Choque Cultural), marca o retorno do artista paranaense a São Paulo com grande mostra individual no centro de cultura, empreendedorismo, lazer e gastronomia. Explorando técnicas que mesclam características de pinturas e esculturas clássicas com alta utilização tecnológica, Silveira leva ao Farol Santander uma série de pinturas-objeto, instalações, vídeo-mappings e esculturas inspiradas em seu conceito de sorvete derretido. A exposição será aberta ao público em 25 de março e permanece em cartaz até 07 de agosto. A Espuma Delirante de Rafael Silveira é uma exposição que cada centímetro quadrado foi pensado para proporcionar aos visitantes uma experiência de múltiplos estímulos sensoriais. A exposição é formada por ambientes que se conectam, integrados por combinação de elementos que amplificam o impacto da imersão: iluminação, sonorização, imagens que se movem, esculturas derretidas, paredes animadas. Tudo isso forma, em seu conjunto, novos modos de viver uma exposição de arte. Ao todo, são dezessete obras que fazem parte da mostra Espuma Delirante de Rafael Silveira: seis esculturas em fibra de vidro representando sorvetes derretendo; cinco video-mappings sobre quadros com molduras esculpidas em madeira; quatro video-walls que criam uma narrativa 360 graus, uma escultura interativa central e uma instalação de site specific no cofre que fica no hall de entrada do Farol Santander. “É com muita alegria que o Farol Santander abre suas portas para receber a exposição Espuma delirante de Rafael Silveira. Essa alegria se espalha em toda a colorida, instigante e surpreendente sala expositiva. Aqui o visitante entrará em contato com pinturas que se mexem e parecem conversar com o expectador, com sorvetes que derretem sem se esparramar e paredes que nos chamam para uma fotografia. Essas e muitas outras surpresas foram pensadas e criadas por Rafael Silveira - artista inquieto que nos encanta com seu trabalho em exposições dentro e fora do Brasil.”; afirma Patricia Audi, vice-presidente do Santander Brasil. Antes mesmo de entrar na galeria do 20º andar, um corredor gráfico recebe o público como uma provocação psicodélica. No primeiro ambiente, uma instalação com nove pinturas-objeto apresenta formas fragmentadas e abstratas espalhadas pelo chão e parede. Simulando um sorvete derretido, as obras são compostas por cores, luz negra e grafismos psicodélicos. Na sequência do circuito pela mostra, os visitantes se deparam com um dos principais destaques da exposição. No centro da segunda sala expositiva, uma escultura de 6 metros revela um enorme sorvete derramado. Projeções em mapping e video-wall interagem com a escultura e completam a experiência no espaço, alternando momentos de excesso e introspecção. O terceiro e último ambiente tem cinco video-mappings sobre quadros com molduras esculpidas em madeira. Essas estruturas recebem projeções que simulam pinturas com leves movimentos.  “Rafael Silveira é um artista múltiplo: na mesma pessoa convivem o antigo e o futurista, o artesanal e o digital, o tradicional e o transgressivo. A exposição Espuma Delirante de Rafael Silveira é um choque entre esses extremos e gera uma energia criativa que instiga pensamentos e estimula sensibilidades. Para Rafael Silveira, fazer arte é, antes de mais nada, inventar. Nada é tão sólido que não possa desmanchar-se no ar. Nesta mostra, o surrealismo dessa cena ganha contornos surpreendentemente reais.”; analisa Baixo Ribeiro, curador da exposição. Os conceitos da mostra Espuma Delirante de Rafael Silveira Ainda de acordo com o curador Baixo Ribeiro, existem cinco conceitos que se agregam e ajudam a decifrar as ideias e propostas deste inquieto artista nascido no Paraná, que já levou mais 90 mil pessoas ao Museu Oscar Niemeyer (Curitiba) e passou por diversos outros espaços e galerias de cidades como São Paulo, Rio de Janeiro, Londres, Nova Iorque e Milão. 1. Site specific: algumas salas da exposição foram projetadas especificamente para o 20º andar do Farol Santander e formam ambiências com a arte gráfica, dialogando com a arquitetura da galeria. 2. Arte imersiva: a exposição foi pensada como um todo indivisível, onde vídeo projeções interagem com esculturas e o público interage com o espaço. E ao entrar no ambiente expositivo, o público também passa a fazer parte da obra. 3. Light design: parte da atmosfera onírica da exposição é criada pela iluminação que é composta por refletores, pontos com luz negra e variadas formas de projeções. 4. Sound landscape: a sonorização do ambiente expositivo acompanha as diversas relações traçadas entre as obras e a trilha sonora criada especialmente para a mostra, em colaboração com o sound designer Marcel Dadalto. 5. Digital animation: o artista criou animações digitais que dão movimento às suas imagens produzidas com a tradicional técnica da pintura a óleo. Sobre Rafael Silveira Rafael Silveira nasceu em 1978 e mora em Curitiba, onde mantém seu estúdio. Ele começou sua carreira nos anos 90 como designer gráfico, tendo ilustrado muitos fanzines, revistas, rótulos de bebidas e capas de discos, tendo recebido em 2007 o Prêmio de Design Max Pfeffer. Desde 2007, vem expondo regularmente em cidades como São Paulo, Nova Iorque, Londres e Milão, e sua arte está representada mundialmente em coleções privadas e institucionais como a do Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro e a do Museu Oscar Niemeyer de Curitiba. Sua exposição Circonjecturas levou mais de duzentas mil pessoas a museus em Curitiba, São Paulo e Brasília. Um livro com um ensaio do curador Agnaldo Farias analisando uma década da sua trajetória foi publicada pela editora Sesi, em 2016. Seu trabalho tem sido pauta de inúmeras revistas, incluindo recentes artigos na revista virtual Colossal, na australiana Beautifull Bizarre e na capa do jornal New York Times. Sobre Baixo Ribeiro Baixo Ribeiro é curador de arte especializado em exposições interativas, processos colaborativos e apresentações em espaços públicos. Com formação em arquitetura e urbanismo, desde os anos 2000, vem realizando programas inovadores em arte contemporânea, envolvendo exposições, seminários, festivais, sempre em associação com importantes instituições brasileiras e internacionais, como Fondation Cartier, Stiftung Brasilea, Museu de Arte de São Paulo, Museu AfroBrasil, Museu Iberê Camargo, Reitoria da Universidade de São Paulo, secretarias de educação e cultura de vários estados, instituições como SESC, SESI e SENAC, Farol Santander entre outras. Sobre o Farol Santander São Paulo Desde sua inauguração, em janeiro de 2018, o Farol Santander já recebeu mais de 1 milhão de visitantes e apresentou 27 exposições nos eixos temático e imersivo. As atrações do Farol Santander ocupam 18 pisos dos 35 do edifício de 161 metros de altura que, por um longo período, foi a maior estrutura de concreto armado da América do Sul. As visitas começam pelo hall do térreo, que conta com a Loja da Cidade e o famoso lustre de mais de 1,5 toneladas, seguindo até o Mirante do 26º que, após a revitalização, ganhou um Café especial, com uma das vistas mais famosas de São Paulo. Do 2º ao 5º andar os visitantes podem conhecer a história do prédio e da própria cidade, no Espaço Memória, que tem mobiliários originais feitos pelo Liceu de Artes e Ofícios nas salas de reuniões, diretoria e presidência, ambientadas sonoramente para simular o funcionamento a época como Banco do Estado de São Paulo. No subsolo do edifício, está instalado o Bar do Cofre SubAstor, onde funcionava o cofre do Banco do Estado de São Paulo desde 1947 (tombado pelo Patrimônio Histórico). O bar é ambientado com as características da época e pitadas contemporâneas em design e mobiliários, com cartas de drinks especiais, além de comidinhas. Já no 28º andar, foi inaugurado em outubro de 2021 o Boteco do 28 por Bar da Cidade, com um menu em referência à culinária da antiga Paulistânia, nascida da união entre ingredientes e costumes indígenas e portugueses, aliados às necessidades de deslocamento pelo grande território que correspondia à Capitania de São Paulo (1720). Em janeiro de 2022, o Farol Santander São Paulo completou quatro anos e anunciou o novo funcionamento da Pista do 21, para prática de skate indoor. Em parceria com a Rajas Skatepark, um dos maiores complexos esportivos para prática do skate do País, com instrutores homologados pela Federação Paulista da modalidade, a Pista do 21 pode ser reservada para livre circuito de até sete skatistas por bateria e também oferece agendamento de aulas. O funcionamento é da terça-feira à sexta-feira, das 09h às 20h, e aos sábados e domingos, das 09h às 17h. Serviço: Espuma Delirante de Rafael Silveira - Farol Santander São Paulo Onde: Rua João Brícola, 24 – Centro (estação São Bento – linha 1, azul do metrô) Quando: 25 de março a 07 de agosto de 2022 Site Farol Santander: farolsantander.com.br Telefone Farol Santander: (11) 3553-5627 Funcionamento: terça-feira a domingo Horários: 09h às 20h Ingressos: R$ 30,00 Compra online: https://www.farolsantander.com.br/#/sp (vendas também na bilheteria local) Classificação: livre     Brigada de incêndio e Seguranças: efetivo total de 60 pessoas *Monitoria nos andares expositivos * Distanciamento Social * Uso de Máscara obrigatório * Instalações acessíveis para cadeirantes

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fonte:  MARRA COMUNICAÇÃO – Assessoria de Imprensa Farol Santander São Paulo e Porto Alegre

O projeto Alma - Antropofagia, literatura, modernismo e audiovisual - conferências online UFSCar

 

Evento terá transmissão via YouTube (Imagem: Reprodução) Evento internacional discute herança antropofágica na literatura e no audiovisual Iniciativa conta com a participação de artistas e pensadores da África, Brasil e Portugal O projeto Alma - Antropofagia, literatura, modernismo e audiovisual - apresenta entre os meses de março e novembro uma série de seis conferências online. A iniciativa reúne escritores, cineastas, artistas e acadêmicos do Brasil, Portugal e Angola, que discutem temas relacionados ao processo colonial, à emergência de uma voz indígena no audiovisual contemporâneo e ao impacto da experiência modernista em diferentes territórios. A conferência, com o tema "Antropofagias para além da brasilidade", será proferida pelo escritor, poeta e jornalista angolano Aníbal João da Silva Melo, no dia 25 de março, às 15 horas (horário de Brasília).  O Alma resulta de parceria entre o Laboratório de Estudos do Discurso (Labor) da Universidade Federal de São Carlos (UFSCar); o Centro de Investigação em Arte e Comunicação (CIAC) da Universidade do Algarve, em Portugal; a Universidade Estadual de Minas Gerais (UEMG); e o Polo Audiovisual da Zona da Mata. Confira a programação na íntegra neste documento (https://bit.ly/3t8Hjz5).  As conferências serão realizadas de forma remota no canal do CIAC no YouTube (www.youtube.com/user/CIACtube). Haverá inscrição prévia para os participantes que quiserem receber certificados; para isso, é preciso preencher o formulário online disponível em https://bit.ly/37Z1veJ. Dúvidas podem ser esclarecidas pelo e-mail pedrovaroni@ufscar.br. A programação foi pensada de modo a refletir sobre os sentidos contemporâneos da antropofagia. "O Manifesto Antropófago, publicado pelo escritor brasileiro Oswald de Andrade em 1928, constitui um dos mais potentes signos do modernismo literário brasileiro e uma práxis cultural presente nas artes e no pensamento crítico durante o século passado e com potenciais contribuições ao contemporâneo. É essa atualidade do pensamento antropofágico pensado para além do campo literário, como uma filosofia decolonial avant la lettre, que propomos desenvolver através de um ciclo de conferências que deve resultar na produção de uma coletânea de textos de pensadores e artistas de Brasil e Portugal", explicam os coordenadores do evento, os pesquisadores Miriam Tavares e Jorge Carrega (CIAC); César Piva (Polo Audiovisual da Zona da Mata); Vanice Sargentini, Daniel Laks e Pedro Henrique Varoni de Carvalho, docentes do Departamento de Letras (DL) da UFSCar; Rodolfo Magalhães, mestrando no Programa de Pós-Graduação em Linguística (PPGL) da UFSCar; e Cláudio Santos Rodrigues, da UEMG. Segundo os pesquisadores, a transposição para o campo cultural do ritual tupinambá de devorar o inimigo, inspiradora do Manifesto, tornou-se potência criativa de manifestações culturais, num contexto de resistência à ditadura civil-militar imposta ao Brasil até meados dos anos 1980 e de intensificação dos fluxos midiáticos globalizados. A antropofagia ressurge no movimento tropicalista, deixa marcas no teatro, na literatura e no cinema. Ao mesmo tempo em que sugere uma síntese cultural própria a partir das trocas e da alteridade, desloca-se dos nacionalismos identitários presentes em certas marcas do modernismo brasileiro. O movimento se faz mais por um desejo antinarcísico pelo outro, conforme indicam as palavras de Oswald de Andrade: "só me interessa o que não é meu. Lei do homem. Lei do antropófago." "Mais do que uma investigação sobre a obra de Oswald, interessa-nos pensar a ideia de antropofagia como uma chave para entendimento de temas contemporâneos que transcendem as questões de identidade nacional e, para o que importa aqui, se referem às relações culturais entre Portugal e as antigas colônias, Brasil e África. Há modernismos de um lado e de outro e eles dizem respeito também a um sentimento da língua portuguesa, à metáfora das navegações como busca de territórios existenciais. Como na Passagem das horas de Álvaro Campos: ‘Viajei por mais terras que aquelas em que toquei/ Vi mais paisagens do que aquelas em que pus os olhos/ Experimentei mais sensações do que todas as sensações que senti...’", citam os organizadores.

fonte:  Universidade Federal de São Carlos (UFSCar) Telefone: (16) 3351-8119            E-mail: ccs@ufscar.br www.ufscar.br

exposição “Viva! 30 anos por Lenise Pinheiro” - PR

 

Festival de Curitiba celebra 30 anos com nova edição e inaugura exposição comemorativa Mostra celebra três décadas de trabalho da principal fotógrafa cênica do país no maior festival de teatro brasileiro Mais importante fotógrafa de teatro do país, Lenise Pinheiro cobriu todas as edições do Festival de Curitiba desde 1992. Nestes 30 anos, enquanto Lenise flutuava pela cidade, seu olhar eternizava tudo o que acontecia nos palcos e bastidores do evento.    Portanto, nada mais justo que em sua trigésima (e celebrativa) edição, o  Festival de Curitiba retribua a Lenise tudo que ela fez numa grande retrospectiva de sua obra.  A exposição “Viva! 30 anos por Lenise Pinheiro” abre no dia 29 de março e segue até o dia 29 de abril numa espécie de “ocupação” dos espaços culturais com o trabalho da artista.   A exposição é dividida em três frentes. Começa no dia 29, quando inaugura uma grande mostra com cerca de 150 fotografias no vão livre do Museu Oscar Niemeyer (MON).  A curadoria é da própria Lenise e de Íris Cavalcante, com expografia de Daniel Marques.  “A exposição é como eu me apresento, desde esse tempo passado até o dia de hoje. Acho que engloba toda a minha vivência na jornada do Festival”, disse Lenise.    Ao lado das fotos, uma linha do tempo dos 30 anos do Festival de Curitiba vai situar o visitante sobre o momento em que cada foto foi tirada. A seleção das fotos traça um panorama da evolução das tendências artísticas e estéticas predominantes em cada momento da produção teatral nas últimas três décadas.     A exposição no MON é também um projeto educativo do Festival de Curitiba e conta com monitores e acessibilidade. Em horários pré-agendados, as visitas terão audiodescrição e libras.    Mas o trabalho de Lenise Pinheiro não vai ficar parado no museu. Como ela sempre faz, vai se movimentar em intervenções pela cidade e pelos espaços do festival. “Nós queríamos levar a história para fora do museu; para as ruas e para os espaços culturais”, explica Roberta Cibin, produtora da exposição.     Segundo Roberta, as luminárias usadas na festa de abertura serão espalhadas pelo circuito do festival e algumas das imagens mais representativas do acervo serão impressas em estandartes de tecidos que serão colocados nos teatros Guaíra e Guairinha, no Teatro da Reitoria e na Alfaiataria.     Além disso, em pelo menos oito espaços do Festival, as imagens de Lenise serão reproduzidas em posters da técnica lambe-lambe.    Carreira e Trajetória  Lenise é a fotógrafa profissional mais importante do teatro brasileiro nas últimas quatro décadas. Autora do maior e melhor registro da cena teatral contemporânea nacional. Suas fotos fazem parte da ficha técnica dos espetáculos mais importantes do país. Como disse seu amigo Ney Latorraca no livro “Fotografia de Palco” (Edições Sesc SP), “Lenise não apenas fotografa, mas contracena, respira junto com o ator e a luz”. Segundo Latorraca, o trabalho de Lenise faz com que o “teatro não perca sua memória. Um registro das nossas emoções, com altíssimo nível. Seu foco conhece a alma dos personagens. São fotos dramáticas, alegres, tristes, ensolaradas e reveladoras, como é o teatro”.    Lenise lembra que começou a dedicar-se à fotografia de teatro em meados da década de 80. Pelo jornal Folha de S. Paulo, fotografou o Festival de Curitiba desde a primeira edição em 1992.  Naquele tempo, a fotografia analógica precisava ser revelada com urgência em alguma câmera escura de laboratório.  Ela conta que precisava “rebolar” para achar algum disponível em Curitiba nas tardes de domingo. “Com isso tudo as primeiras fotos carregam o significado do trabalho e apuro técnico, só faltam gritar!”.   Para ela, o ofício do fotógrafo e do ator tem um “grande ponto em comum: a mágica da revelação se dá numa sala escura, depois que se apagam as luzes”.    Cumplicidade com atores e público A relação de Lenise com os atores – a quem chama de “os magos da minha profissão” -- é de cumplicidade. Ela explica que a cobertura de um grande festival de Teatro requer concentração, organização e algum método para que tudo funcione. “Por exemplo, eu combino com o ator e chego na hora do lenço e a partir desse momento ele já sabe que eu estou ali. Tem que estar todo mundo combinado para funcionar, nem sempre dá”, disse.   “O espírito tem que ser de parceria. No festival fica todo mundo muito pilhado, como disse a equipe tem que se dar bem na totalidade e é com eles que eu conto. Parte dessa gente está na exposição, na minha vida, na minha fotografia, eu nunca deixo de ver técnico atuando, gente criando, gente costurando, gente rindo no teatro”, disse.   A volta do público ao teatro no 30º Festival de Curitiba, afinal, é para Lenise o maior prêmio que ele poderia receber por sua trajetória. “Teatro é uma arte coletiva. Mais do que tudo neste momento não dá para deixar de associar a nossa condição enquanto ser humano/desumano. Uma plateia de teatro é uma força muito grande”.    FICHA TÉCNICA Exposição Viva! 30 Anos 29 de março a 29 de abril Local: Museu Oscar Niemeyer e intervenções pela cidade Artista: Lenise Pinheiro Curadoria: Lenise Pinheiro e Iris Cavalvante Idealização: Fabíula Bona Passini Expografia: Daniel Marques Produção: Roberta Cibin Entrada Gratuita fonte: Assessoria de Comunicação: Pedro Neves

“NeoForma – fotoescutura e fotografia”, do fotógrafo Ronik

Obra "Desejo" - Roni Munk

Inauguração da Galeria Dezoito marca retomada do mercado de arte com exposição de Roni Munk

Espaço na Vila Madalena é um dos marcos da retomada do mercado da arte no Brasil ao mesmo tempo que busca renovar o setor para atrair um novo público, uma galeria de arte integrada com a moda, o entretenimento e a gastronomia

No dia 5 de abril, a esquina das ruas Simpatia e Harmonia, na Vila Madalena, ganham um novo espaço que simboliza um momento importante na retomada do mercado de arte no Brasil pós-pandemia. A Galeria Dezoito abre suas portas com uma exposição do fotógrafo Roni Munk, que faz sua primeira mostra individual em São Paulo.

A curadoria da galeria é de Vivian Faingold e o conceito é de um espaço multiuso para atrair um novo público para o espaço formando uma nova geração de admiradores da arte.

O objetivo foi criar algo disruptivo no setor, no entanto, sem perder o foco do respeito e da valorização do trabalho artístico. Um prédio com janelas amplas, onde não vão encontrar as tradicionais salas de paredes brancas, e bem em um dos bairros mais boêmios da cidade, a Vila Madalena.

A galeria nasce totalmente integrada com uma manifestação diversa, como a moda, o entretenimento e a gastronomia. Um espaço de convivência vivo e pulsante que proporciona uma contemplação da arte que provoca sensações plurais.

Roni Munk inaugura a Galeria Dezoito

Quem estreia o novo espaço é o fotógrafo Roni Mink, que realiza sua primeira mostra individual em São Paulo, a NeoForma, que mescla obras inéditas com imagens do início de sua produção, há cerca de cinco anos. Os apreciadores poderão viajar pelo tempo compreendendo o caminho do amadurecimento do artista que se dedica à pesquisa da fotografia digital e da fotoescultura.

O fotógrafo deu os primeiros passos na fotografia com sua mãe, Judith Munk, a primeira fotojornalista mulher atuando no Rio de Janeiro a partir do final dos anos quarenta. A Rolleiflex, que ainda está no seu estúdio, deixou marcas fortes na forma como fotografa. Outra referência para seu trabalho mais recente é o movimento neoconcretista, inspiração para sua investida no universo da fotoescultura. Suas obras, como disse Ferreira Gullar sobre a escultura de Amílcar de Castro, buscam “surpreender a forma em seu nascedouro".

Cores, texturas, dobras, recortes e diferentes materiais – como telas, argila e cimento – surpreendem em formas e volumes fora do convencional suporte da fotografia bidimensional, propondo uma nova relação com o expectador e representando o temperamento inquieto de Munk e sua maneira intensa de viver e sentir.

Do passado, traz, por exemplo, raízes que brotam do barro e estruturas de ferro são incrustadas em concreto. Suas criações mais recentes são laminadas em chapas de metal, recortadas e dobradas. Peles de arvores e outras texturas se transformam em borboletas, pássaros e cidades, conferem movimento que se misturam em uma dança, propondo novas interpretações a cada olhar. 

A exposição mostra também um outro caminho que o artista está trilhando: a arte colaborativa. O jovem artista visual suíço-boliviano Fabrizio Grisi, que mora e trabalha em Berlim, participa da exposição com duas intervenções na série Raízes, se apropriando de suas fotos para criar outras obras. 

A partir de então, o fotógrafo já participou de exposições na Galeria Reserva Cultural 2021 (individual), no Espaço Judith Munk 2019 (coletiva) e na galeria da Cidade das Artes 2017 (individual). Seus trabalhos foram selecionados pelo Festival Universo Feminino – Singular e Plural do Clube de Fotografia de Camaçari, pelo 10º Festival de Fotografia de Tiradentes, Festival Internacional de Fotografia Paraty em Foco e pré-selecionado pelo 10º Prix de la Photo da Aliança Francesa. Participou da ação Fotos Pró Rio. Editou três foto-livros de artista e é coautor do livro ‘Do outro lado, Do lado de cá’, que contempla fotografias e será publicado em 2022.

 

Serviço

Inauguração Galeria Dezoito com exposição “NeoForma – fotoescutura e fotografia”, do fotógrafo Roni Roni Munk

Endereço: Rua Simpatia 23, Vila Madalena – São Paulo/SP

Data a abertura: 05 de abril de 2022, 19h00.

Dias e horários de funcionamento a partir do dia 06 a 28 de abril: Terça a Sábado: 11h00 as 20h00.