mostra Abdias Nascimento – O Quilombismo: Documentos de uma Militância Pan-Africanista - Sesc Franca - SP

 

Abdias Nascimento, Quarteto Ritual n. 5. Acrílico sobre tela, 152 x 102 cm. Búfalo, EUA, 1971_Coleção particular Pedro Buarque de Hollanda

Exposição com cerca de 70 pinturas de Abdias Nascimento será aberta em Franca, cidade natal do intelectual e ativista pan-africanista, quando são comemorados os 110 anos de seu nascimento  A mostra Abdias Nascimento – O Quilombismo: Documentos de uma Militância Pan-Africanista integra a grade de atividades que compõem a inauguração da maior unidade do Sesc no interior paulista e ocorre, a partir de 28 de novembro, por meio de uma parceria inédita com o Instituto Inhotim e o Ipeafro  Em 28 de novembro será aberta a exposição Abdias Nascimento – O Quilombismo: Documentos de uma Militância Pan-Africanista, mostra que apresentará ao público de Franca a faceta de artista visual do também poeta, escritor, dramaturgo, político e ativista pan-africanista Abdias Nascimento (1914 – 2011), marcando presença em sua cidade natal no ano em que são comemorados os 110 anos de seu nascimento. A exposição é um dos destaques da grade de atividades que compõem a programação da inauguração, neste município da região nordeste de São Paulo, da maior unidade do Sesc no interior paulista – o Sesc Franca tem mais de 35 mil metros quadrados de área construída e capacidade para receber diariamente 2,5 mil visitantes.    Celebrado no circuito internacional das artes e dos intelectuais que construíram reflexões singulares sobre o Brasil, Abdias Nascimento tem obras que integram coleções de renomadas instituições, como o Tate da Grã Bretanha, o Los Angeles County Museum of Art (LACMA) e o Museu de Arte Moderna de Nova York (MoMA). Pelo conjunto da obra, Abdias Nascimento foi oficialmente indicado ao Prêmio Nobel da Paz. Em 2024, teve seu nome inscrito no livro de Heróis e Heroínas da Pátria. Realizada em parceria inédita entre o Sesc (São Paulo), o Instituto Inhotim (Minas Gerais) e o Instituto de Pesquisas e Estudos Afro-Brasileiros, Ipeafro (Rio de Janeiro), a exposição é uma itinerância que partiu do Inhotim, onde integrou um programa sobre Abdias entre 2021 e 2024. Para o Sesc, a mostra traz cerca de 70 pinturas e tem curadoria de Douglas de Freitas, Deri Andrade e Lucas Menezes, pelo Inhotim, e de Elisa Larkin Nascimento e Julio Menezes Silva, curadores pelo Ipeafro.   “A realização desta exposição reflete um profundo desejo de homenagear a cidade e seus cidadãos ao celebrar a trajetória de um de seus filhos - o francano Abdias Nascimento, reconhecido como o mais completo homem de cultura afro-brasileiro do século XX”, destaca Luiz Deoclecio Massaro Galina, diretor do Sesc São Paulo. “Essa mostra, apresentada em parceria com o Instituto Inhotim e o Ipeafro, destaca a relevância da obra de Abdias como artista multifacetado, instauradora de novas maneiras de compreender e interagir com o mundo, desta forma, o Sesc reforça seu compromisso, e de seu programa de exposições, em estabelecer diálogos reconhecer e fortalecer os múltiplos saberes que constituem o tecido artístico cultural do Brasil", completa o diretor.   Programa Abdias Nascimento e o Museu de Arte Negra   Parte do conjunto de pinturas que ocupará o espaço expositivo do Sesc Franca foi primeiramente apresentado, entre novembro de 2023 e abril de 2024, ao público do Instituto Inhotim, como etapa conclusiva do Programa Abdias Nascimento e o Museu de Arte Negra. Na ocasião, o último dos quatro atos fez referência as principais criações de Abdias Nascimento, entre elas o Teatro Experimental do Negro, fundado por Abdias Nascimento em 1944.    No primeiro ato, Abdias Nascimento, Tunga e o Museu de Arte Negra (2021), a curadoria retratou o diálogo entre as obras dos contemporâneos artistas Abdias e Tunga, e o acervo do Museu de Arte Negra, fundado por Abdias em 1950); no segundo ato, Dramas para negros e prólogo para brancos (2022), Inhotim e Ipeafro abarcaram a trajetória do Teatro Experimental do Negro e a concepção inicial da coleção do Museu de Arte Negra de 1941 até 1968; no terceiro ato, Sortilégio (2023), foi abordado o período de exílio do artista, entre 1968 e 1981, evidenciando a difusão da arte negra brasileira no exterior; já no quarto e último ato, O Quilombismo: Documentos de uma Militância Pan-Africanista (2023), a curadoria traçou um panorama da vida de Abdias, tendo como eixo Xangô, orixá da justiça e presença forte no pensamento, no discurso e nas pinturas do artista.   A investigação curatorial em torno do legado de Abdias, por meio das ações do Programa Abdias Nascimento e o Museu de Arte Negra, culminou na exposição em destaque no Sesc Franca, permitindo um amplo debate não só de seu legado artístico, político e intelectual, como, também, inspirando reflexões, sob o prisma racial, para o próprio Inhotim e para o campo das instituições culturais brasileiras. Muito além de um programa artístico, o projeto desenvolvido na parceria entre Inhotim e Ipeafro transformou-se em um programa ético, do qual agora é signatário também o Sesc São Paulo, por meio de sua nova unidade. “Abdias é um intelectual e militante na luta antirracista único e extremante significante. Sua luta se dava em várias frentes, como reflexão dos problemas que ele via no mundo. Toda a produção do Abdias é um posicionamento antirracista, seja na poesia, no teatro, na política ou na pintura, que é o foco da exposição no Sesc de Franca. Abdias de volta a Franca depois de 110 anos, através da sua pintura, é um gesto simbólico muito importante, para além da possibilidade de os habitantes da cidade conhecerem a produção pictórica do artista e de sua história”, comemora Douglas de Freitas, curador do Instituto Inhotim.    A exposição, cujo título faz referência a O Quilombismo: Documentos de uma Militância Pan-Africanista, livro publicado em 1980 pela Editora Vozes, apresenta a trajetória de Abdias como pintor sob o olhar do Quilombismo, que ele nomeou como uma "alternativa política afro-brasileira", retomando o quilombo em seu significado original de "união fraternal e livre" e propondo novas práticas políticas para um modelo de vida em sociedade. Na produção pictórica de Abdias, amplamente representada na mostra, o artista trabalhou os conceitos de "teogonia afro-brasileira" e "símbolos rituais contemporâneos", que investigam, afirmam e valorizam como forma de ativismo antirracista o conhecimento trazido pelas tradições africanas, sua “concepção de vida e filosofia do universo”.   “Abdias vivia e pintava a tradição ancestral africana como expressão da dinâmica de vida da população negra. Alvo da violência do Estado e da exclusão e invisibilidade criada pela sociedade ocidental, os povos africanos sempre construíram suas vidas em liberdade. Tecnologia, conhecimento e civilização são fenômenos pouco identificados com os povos africanos, apenas porque seus feitos foram apagados do registro histórico distorcido pelo eurocentrismo. A pintura de Abdias traz todas essas dimensões: o enfrentamento, a luta, a riqueza dessas construções e suas linguagens, a complexidade da herança civilizatória africana e sua espiritualidade e, sobretudo, a dignidade humana tantas vezes negada a esses povos, a quem o mundo tanto deve”, conclui Elisa Larkin Nascimento, curadora e presidente do Ipeafro. Exílio e produção pictórica  Um dos mais relevantes intelectuais e pensadores da cultura brasileira do século 20, Abdias Nascimento também foi deputado federal (1983-1986), senador (1991-1992 e 1997-1999) e secretário de Direitos Humanos e Cidadania do governo no Estado do Rio de Janeiro (1999), além de professor emérito da Universidade do Estado de Nova York, durante o período em que esteve exilado nos Estados Unidos, entre 1968 e 1981, momento de intensa produção pictórica, quando realizou exposições em importantes instituições do país.    A experiência do exílio também marcou a inserção de Abdias em uma rede de intelectuais negros que lutavam pela criação de espaços acadêmicos para estudos afro-americanos, participando de eventos ao redor dos Estados Unidos e comunicando aspectos próprios da realidade brasileira. Após atuar nas Universidades de Yale e Wesleyan, Abdias recebeu, em 1971, um convite de Francisco Pabón e Alfredo Matilla para atuar como professor de Culturas Negras nas Américas no Centro de Estudos Porto-Riquenhos do Departamento de Estudos Americanos, no campus de Buffalo da Universidade do Estado de Nova York. Os anos de atuação como professor foram também de considerável produção pictórica: ao menos 65 pinturas foram realizadas na cidade, a maioria até 1975.    Durante os anos em Buffalo, Abdias conheceu Elisa Larkin, que se tornou sua principal tradutora e intérprete, bem como sua parceira de vida por 38 anos, acompanhando-o em seu retorno ao Brasil e até o fim de sua vida. Juntos, eles fundam em 1981 o Instituto de Pesquisas e Estudos Afro-Brasileiros (Ipeafro), que também assina este projeto com o Instituto Inhotim e Sesc.   SERVIÇO Abdias Nascimento – O Quilombismo: Documentos de uma Militância Pan-Africanista De 28 de novembro de 2024 a 29 de junho de 2025 Horário de funcionamento: Até 01/12: de quinta a domingo, 10h às 18h30  A partir de 03/12: de terça a sexta, das 9h30 às 21h30; sábados, domingos e feriados, das 10h às 18h30 Local: Espaço Expositivo.  Livre. Grátis. Acessibilidade: Audioguia, Audiodescrição, Recursos Táteis, Braile e Tradução em Libras   Sesc Franca  Endereço: Av. Doutor Ismael Alonso Y Alonso, 3071. Jardim Piratininga II, Franca – SP

Exposição “Macalé: Formas e Fatos” - Museu Casa de Portinari - Brodowski - SP

 

Museu Casa de Portinari celebra Consciência Negra com atividades especiais; confira programação Exposição “Macalé: Formas e Fatos” acontece até 1º de dezembro no Galpão das Artes Imagem: Instrumentos da atividade “Não Deixe o Samba Morrer”. Henrique Daniel/Museu Casa de Portinari O Museu Casa de Portinari, instituição da Secretaria da Cultura, Economia e Indústria Criativas do Estado de São Paulo, em Brodowski (SP), preparou uma série de atividades para todos os públicos em celebração ao Mês da Consciência Negra. No sábado (16) e no domingo (17), o projeto “Família no Museu” convida crianças e adultos para brincadeiras, jogos e leituras mediadas. No projeto “Saberes e Fazeres”, na terça (19), o Núcleo Educativo do Museu ensina a criar um vaso autoirrigável de garrafa PET. A programação inclui também uma apresentação de dança contemporânea e um painel instagramável sobre o samba, além da exposição “Macalé: Formas e Fatos” no Galpão das Artes. Confira a programação completa abaixo. Família no Museu: Atividades Intergeracionais O Núcleo Educativo do Museu Casa de Portinari convida famílias para visitarem a instituição nos dias 16 e 17 e participarem de atividades como brincadeiras, jogos e leituras mediadas. As atividades acontecem no gramado, que também poderá ser usado para realização de piqueniques. A ação “Família no Museu” acontece no terceiro fim de semana do mês, nos jardins da Casa de Portinari, e valoriza a iniciativa dos pais em levarem seus filhos para conhecer museus e outras instituições culturais. O projeto incentiva os visitantes a mergulharem no lado familiar do artista, que retratou a cidade de Brodowski em muitas de suas obras. Ao final da atividade, os participantes recebem o certificado de “Família Legal” e podem fazer uma foto e compartilhar nas redes sociais. Datas: 16 e 17 de novembro (sábado e domingo) Horário: das 10h às 16h Gratuito Saberes e Fazeres: vaso autoirrigável O projeto “Saberes e Fazeres” pretende comunicar conhecimentos específicos, usos e costumes da Família Portinari, relacionados a um tempo (século XX), um lugar (interior do Estado de São Paulo) e sua origem (italiana). Nesta edição do projeto, o Núcleo Educativo ensina os visitantes a fazerem um vaso autoirrigável de garrafa PET para o plantio de ervas aromáticas e culinárias, capazes de enriquecer os sabores das refeições, evocando o cultivo de plantas medicinais e hortaliças que Dona Domingas, mãe de Portinari, mantinha nos jardins da casa. Data: 19 de novembro (terça-feira) Horário: às 10h Gratuito Não Deixe o Samba Morrer! O samba é um gênero musical típico do Brasil, que se consolidou nas comunidades afro-brasileiras do Rio de Janeiro no século XX. Surgiu como uma dança de roda marcada pelo batuque e transformou-se em um dos gêneros mais populares do país. Neste ano, por meio de Lei Federal, os modos de produção dos instrumentos musicais de samba e as práticas a eles associadas passam a ser reconhecidos como manifestações da cultura nacional. Valorizando o samba como cultura de raiz afro-brasileira e sua conexão com o artista Candido Portinari, o Núcleo Educativo do Museu disponibilizará, na esplanada, alguns instrumentos musicais típicos do gênero - todos confeccionados com materiais recicláveis. O público poderá conferir o agogô, a cuíca, o pandeiro, o chocalho e outros instrumentos. Data: 19 a 24 de novembro (terça-feira a domingo) Horário: das 10h às 17h Gratuito Coreografia de dança contemporânea No Dia da Consciência Negra, o Museu Casa de Portinari recebe os participantes do projeto “Ciência e Arte”, do Instituto Federal de São Paulo (IFSP) – Campus Sertãozinho, que apresenta coreografias de dança contemporânea criadas de forma colaborativa pelo grupo ao longo de diversas aulas do projeto de extensão. O projeto é coordenado pela professora Riama Coelho Gouveia que oferece aulas de dança de diversos gêneros abertas para toda a comunidade do município de Sertãozinho e região, integrando temas científicos e sociais sob uma perspectiva artística.  Data: 20 de novembro (quarta-feira) Horário: às 15h30 Gratuito Painel instagramável “Os Sambistas” Em homenagem às personalidades que marcaram a história do samba, o Museu apresenta um painel instagramável com a história, memória e contribuições de diversos sambistas negros, primordiais para a construção da cultura e identidade brasileiras. Data: 19 a 24 de novembro (terça-feira a domingo) Horário: das 10h às 17h Gratuito Exposição “Macalé: Formas e Fatos” Em celebração ao "Ano Macalé", que marca os 50 anos de carreira do artista plástico Jaime Domingos Cruz, conhecido como Macalé, o Museu Casa de Portinari apresenta a exposição "Macalé: Formas e Fatos". A mostra revela um novo e instigante capítulo na carreira do artista de Ribeirão Preto, apresentando obras inéditas que exploram a abstração com profundidade e sensibilidade. Datas: até 1º de dezembro Horário: das 9h às 17h (terça-feira a domingo) Local: Galpão das Artes (rua João Brisotti, 128, Centro, Brodowski/SP) Gratuito Atividades virtuais nas redes sociais do Museu Casa de Portinari Clique no Museu Data: 17 de novembro, às 10h Acervo em Segundos Data: 22 de novembro, às 10h Instagram: @museucadeportinari Facebook: /museucasadeportinari Confira todas as informações sobre a programação do Museu Casa de Portinari no site da instituição. Museu Casa de Portinari Inaugurado em 14 de março de 1970, em Brodowski, o Museu Casa de Portinari, instituição do Governo do Estado de São Paulo administrada pela Secretaria da Cultura, Economia e Indústria Criativas do Estado de São Paulo em parceria com a ACAM Portinari - Organização Social de Cultura, tem como edificação a antiga residência de Candido Portinari e representa a forte ligação do pintor com sua terra natal, origens e laços familiares. É o local onde ele realizou suas primeiras experiências com pinturas murais e se aprofundou na técnica ao passar dos anos. Entre os ambientes que mais se destacam, estão o ateliê, com os objetos de trabalho do artista, e a “Capela da Nonna”, que Portinari pintou para sua avó. Funcionamento: de terça-feira a domingo, das 9h às 18h; às quartas-feiras, o horário é estendido até às 20h. Entrada: gratuita Endereço: Praça Candido Portinari, nº 298 – Centro, em Brodowski (SP) Informações: (16) 3664-4284 YouTube: /casadeportinari Instagram: @museucadeportinari Facebook: /museucasadeportinari ACAM Portinari – Organização Social de Cultura Assessoria de Imprensa Fabiano Cruz (16) 98257-0231 imprensa@acamportinari.org Secretaria da Cultura, Economia e Indústria Criativas Assessoria de Imprensa (11) 3339-8062 / (11) 3339-8585 imprensaculturasp@sp.gov.br

Exposição ‘Afogada’ - Emília Santos - Pinacoteca Diógenes Duarte Paes - Jundiaí - SP

 

Afogada: Exposição inspirada em cenas marinhas reúne gerações e promove identificações e reflexões

Mostra gratuita da artista visual Emília Santos pode ser vista até dia 24/11

Um encontro de gerações e um misto de identificações e reflexões. Assim está sendo a Exposição ‘Afogada’, da artista visual Emília Santos, que pode ser vista até dia 24/11 na Pinacoteca Diógenes Duarte Paes, em Jundiaí. A mostra reúne pinturas inspiradas em cenas marinhas e é contemplada pelo edital da Lei Paulo Gustavo (LPG 21/2023), realização da Prefeitura de Jundiaí e do Governo Federal. 

Mestre em Multimeios pela UNICAMP e graduada em Licenciatura em Artes Visuais, Pintura, Gravura e Escultura pelo Centro Universitário Belas Artes de São Paulo, Emília Santos apresenta ao público de Jundiaí e Região, desde o dia 28/09/2024, as pinturas que exploram a representação do mar. Por meio de um QR Code, as obras têm recursos de acessibilidade, como a audiodescrição, e podem ser acompanhadas por uma playlist especial. 

Entre as ações propostas pelo projeto, estão visitas guiadas e rodas de conversas com a artista para debater sobre os processos criativos. O Cursinho Popular Nise da Silveira, de Campo Limpo Paulista, voltado para todos os tipos de mulheridade, participou no sábado (09/11) do evento especial. "São nesses momentos que tenho oportunidade de pensar a recepção dos trabalhos e ter essa troca com as pessoas", declara Emília Santos. O próximo evento está previsto para o dia 22/11.

A professora de Física do Cursinho, Bárbara Bussi, de 32 anos, se encantou com os efeitos de luz representados nas telas. “Me impressionei com a forma como ela retrata a luz, os raios, essa impressão de movimentos, de tridimensionalidade. Realmente eu fiquei imersa na exposição e admiro a forma como ela toca as pessoas, principalmente daquelas que gostam de água e de mar”, afirma.

Já a Júlia Rodrigues, 16 anos, estudante do cursinho que deseja cursar Biomedicina, apontou que a tela denominada Serpeio lhe passou a sensação de estar nas piscinas naturais, como as de Maceió. “A imagem remete a uma água bem cristalina, com corais no fundo, me passa calma. Também me impressionei com o fato de as pinturas retratarem momentos diferentes do mar, sendo do amanhecer até anoitecer, algo muito especial”.  

Identificação

Muitos visitantes comentam sobre a identificação que as telas proporcionam, seja a lembrança de um lugar ou sensações e sentimentos. A psicóloga Adriane Batista Miqueleto já conhecia a obra de Emília, esteve no lançamento de Afogada e agora participou da visitação. “As telas remetem muita paz e o sentimento de imersão, dessa força do mar, da natureza, de como as ondas mexem e remexem o que está imerso. Essa exposição fala diretamente com meu coração”, afirma.

A estudante do sexto ano, Julia Florêncio, de 11 anos, também se conectou com a abordagem das telas. “Eu amo as ondas do mar. Achei a exposição muito bonita com  pinturas que usam técnicas bem delicadas”, comentou.  

.Reflexões nas telas

A exposição ‘Afogada’ aborda, de forma simbólica, angústias geradas pelos acontecimentos das catástrofes climáticas, do desgoverno sobre políticas ambientais, a fim de refletir sobre as bruscas mudanças na paisagem provocadas pelo desequilíbrio ambiental, catástrofes climáticas, deslizamentos, enchentes e alagamentos, que transformam o cotidiano do olhar, construindo uma imagem modificada da paisagem presente. 

A artista visual provoca o público a refletir sobre as mudanças drásticas que afetam as paisagens e a necessidade urgente de assumirmos nossa responsabilidade em relação ao meio ambiente. “É uma expressão de cenas marinhas que evocam a sensação de submersão. Em minhas criações eu exploro a relação entre o figurativo e o abstrato, com um foco especial em representar movimentos aquáticos e reflexos. Meu trabalho artístico é voltado para reflexões sobre torções entre materiais e gêneros da pintura”, explica Emília que mora em Jundiaí e é professora.

Sem retratar lugares específicos, a artista opta por trazer a sensação de estar ilhada, afogada, em isolamento para tratar sobre o assunto. A série busca promover reflexões sobre a sensação de submersão, sinônimo de vencida, alagada, escondida, esquecida, inundada e perdida, escondimento e esquecimento diante de uma crise tão profunda. Em suas pinturas, a artista explora a gestualidade, a cor e a pincelada para retratar o movimento da água e as diferentes sensações que esse movimento pode promover, abordando desde uma instabilidade gerada pelo mal-estar das ondas até uma sensação de calmaria e conforto. As pinturas possuem dimensões variadas e uma paleta de cores que propõe diferentes momentos de um dia, do amanhecer até o anoitecer. Utilizando tintas à base de água, a ideia é produzir efeitos em que a pincelada seja visível, destacando o gesto da construção da cena. 

A artista incorpora a dualidade presente na simbologia da água, compreendida como signo de origem da vida, transformação, abundância e bem como rituais de transformação e morte. Diante da tragédia climática e social que assola as cidades, a artista busca transmitir sua visão crítica e sensível à problemática ambiental por meio de sua arte, utilizando a cidade como palco dessa reflexão.

Perfil de Emília Santos

Emília Santos, artista visual com Mestrado em Multimeios pela Unicamp e Graduação em Artes Visuais pelo Centro Universitário Belas Artes de São Paulo. Sua obra é caracterizada pela exploração da interseção entre materiais e gêneros na pintura. Em 2022, realizou a exposição “Diálogos Insurgentes”, na Pinacoteca Diógenes Duarte Paes, em Jundiaí. Ganhou o edital dos Cadernos Pagu, promovido pelo Grupo de Estudos de Gênero e Sexualidade da Unicamp, com sua obra destacada como capa da edição nº 67. Além de seu trabalho como pintora, possui experiência como ilustradora em projetos editoriais, incluindo uma colaboração com Iara Rennó no livro sensorial “Afrodisíaca”. Selecionada pelo edital Aldir Blanc em 2021, sua obra “Paisagem Imaginária” integrou o acervo da Prefeitura de Jundiaí. Atualmente, Emília explora a relação entre o figurativo e o abstrato em suas criações, com um foco especial em representar movimentos aquáticos e reflexos. 

Ficha Técnica da Exposição Afogada:

Curadoria e apresentação: Emília Santos
Montagem e som: Lula Fidalgo
Texto de abertura: Anita Limulja e Nadine Paixão 
Assessoria de Imprensa: Ellen B. Fernandes - EBF Comunicação
Fotografia e vídeo: Tatiane Silvestroni

Serviço:
Exposição ‘Afogada’ de Emília Santos
Visitação: Até dia 24/11
Horário: Das 10h às 17h, de terça a domingo
Local: Pinacoteca Diógenes Duarte Paes 
Endereço: Rua Barão de Jundiaí, 109 – Centro - Jundiaí 
Entrada gratuita
Informações: Instagram @emiliasemidia 

exposições Mira Schendel e Carlito Carvalhosa - Instituto Tomie Ohtake - SP

 

Novembro no Tomie Neste mês, embarque numa viagem entre arte, cultura, memória e território em duas íconicas ilhas brasileiras no nosso novo podcast, A parte pelo todo — disponível agora no seu tocador de áudio favorito. Continuamos também a com 7ª edição do programa Experiências Negras, agora com o eixo Palavra. No fim do mês, lançaremos uma nova publicação, o Caderno-ensaio 2: Palavra, e rumaremos para a capital paraense na segunda fase do projeto Um rio não existe sozinho — Diálogos Belém. Além disso, você pode conferir gratuitamente as mostras dos artistas Carlito Carvalhosa e Mira Schendel. A gente te conta mais detalhes aqui! EXPOSIÇÕES Mira Schendel — esperar que a letra se forme ATÉ 2.FEV 2025 | ENTRADA GRATUITA Com curadoria de Galciani Neves e Paulo Miyada, esta é uma exposição-ensaio acerca da presença do sinal gráfico, da letra, da palavra, do texto, da garatuja na obra de Mira Schendel. A mostra compõe o ciclo palavra palavra palavra e contará ainda com o lançamento de publicação sobre o trabalho da artista no dia 30 de novembro. Agradecemos ao patrocínio do Nubank, ao Ministério da Cultura, Lei de Incentivo à Cultura, Programa Nacional de Apoio à Cultura e Governo Federal – Brasil, União e Reconstrução.  Visite Mira Schendel — esperar que a letra se forme | ATÉ 2.FEV 2025 Terça a domingo | 11H—19H Carlito Carvalhosa — A metade do dobro ATÉ 2.FEV 2025 | ENTRADA GRATUITA Essa mostra perpassa quase quarenta anos de carreira do artista paulistano Carlito Carvalhosa, reunindo muitos exemplos de sua constante experimentação com diferentes materialidades, navegando entre os limites da pintura, escultura e instalação. A curadoria é de Ana Roman, Lúcia Stumpf, Luis Pérez-Oramas e Paulo Miyada. Agradecemos aos patrocinadores Livelo e Grupo CCR, por meio do Instituto CCR, e BMA Advogados, ao Ministério da Cultura, via Lei de Incentivo à Cultura, Programa Nacional de Apoio à Cultura e Governo Federal – Brasil, União e Reconstrução.  Visite Carlito Carvalhosa — A metade do dobro | ATÉ 2.FEV 2025 Terça a domingo | 11H—19H Instituto Tomie Ohtake · R. Coropé, 88 · Pinheiros · São Paulo, SP 05426010 · Brasil Aberto de terça a domingo, das 11h às 19h

Exposição FUSÃO - Gustavo Magalhães - CAIXA Cultural São Paulo

 

A CAIXA Cultural São Paulo apresenta, até 24 de novembro de 2024, a exposição FUSÃO, do artista paranaense Gustavo Magalhães. Com curadoria de Ayala Prazeres, a mostra, que já passou pelos espaços da CAIXA Cultural do Rio de Janeiro e do Recife, reúne obras produzidas desde 2018, utilizando materiais descartados, como madeiras, papeis e tecidos recolhidos pelo artista nas ruas ou doados por colegas. Os trabalhos destacam diferentes texturas e estruturas, explorando a função do suporte na pintura e a relação entre materialidade e criação artística. Algumas obras são expostas de forma suspensa na galeria, o que amplia a sensação impactante da visita. A entrada é gratuita.

Natural de Goioerê, no Paraná, e com 26 anos, o artista visual Gustavo Magalhães vem se dedicando à pintura desde 2013. Suas obras estabelecem um diálogo com a historiografia da arte e abordam temas como raça, identidade, materialidade e violência. O artista utiliza como suporte materiais coletados das ruas, imagens de redes sociais, bancos de imagens, e produções audiovisuais. Na pintura, o "suporte" é o material sobre o qual a obra é criada. Para Gustavo Magalhães, as especificidades dos materiais, com suas "imperfeições" como rachaduras, texturas disformes e memórias impressas nas superfícies, são fundamentais para a construção pictórica. O suporte torna-se um elemento essencial na construção do sentido das pinturas, atribuindo novos propósitos e interpretações aos elementos, além de reivindicar um novo tempo e uma nova forma de olhar. “Suporte e pintura se mesclam em um só corpo, construindo, a partir do encontro das duas e em um movimento não hierarquizado, a obra de arte”, afirma.   Em um mundo saturado por imagens, no qual o consumo diário pode banalizar o poder semântico contido nelas, o artista nos convida a refletir sobre como a lógica de consumo e descarte afeta nossa percepção e desvaloriza qualidades sensíveis e abstratas. Rafael Rodrigues, idealizador do projeto, observa que o processo de criação de Gustavo Magalhães reflete uma relação estreita entre arte e cotidiano. Ele destaca que, apesar das crises que essa relação frequentemente enfrenta, ela é mediada por uma sensibilidade que abre espaço para novas possibilidades. Para ele, o uso de materiais descartados nas pinturas não apenas remete à história da arte, mas também aborda as condições de trabalho de um artista contemporâneo racializado no Brasil atual. Ayala Prazeres, curadora da mostra, acrescenta que a materialidade e as construções de Gustavo Magalhães constituem uma ecologia visual, na qual a matéria tem tanta importância quanto a pintura em si. Ela descreve a interação entre imagens e matéria presentes nas obras do artista como um processo simbiótico, um movimento de transformação e convivência mútua, em que as partes se fundem para gerar novas possibilidades e transições de um estado para outro. Na data de abertura da exposição, marcada para o dia 24 de setembro às 15h, o artista realizará uma visita guiada ao lado da curadora Ayala Prazeres, dialogando com o público sobre o processo criativo que resultou nas impressionantes obras pintadas a óleo. A visita será espontânea e não requer inscrições, sendo limitada à capacidade do espaço. Visitas guiadas e oficinas também poderão ser agendadas para grupos ou instituições, por intermédio do Programa Educativo da CAIXA Cultural São Paulo: www.caixacultural.gov.br. Com patrocínio da CAIXA e do Governo Federal, o público terá a oportunidade de conferir a exposição gratuitamente, até o dia 24 de novembro. SOBRE O ARTISTA:   Gustavo Magalhães (1998-), é Artista Visual natural de Goioerê/PR e produz no campo da Pintura desde 2013. É formado em Licenciatura em Artes Visuais pela FAP/UNESPAR e atualmente é mestrando do PPGAV/UNESPAR. A partir da apropriação e descontextualização de imagens e coleta de suportes oriundos de fontes precárias, elabora trabalhos que dialogam com a historiografia da arte e questões próprias da linguagem da pintura, perpassando por assuntos como raça, identidade, materialidade e violência. Em 2018, começa a desenvolver a série “violência” (2018-2023), com obras expostas no CUBIC4 (Circuito Universitário da Bienal Internacional de Curitiba), em 2019. Em 2022 a obra “sem título” da série “violência” passa a integrar o acervo museológico do Museu de Arte do Rio. Em 2023 acontece sua primeira exposição individual, “ATELIÊ ABERTO”, no apartamento em que o artista residia e trabalhava, transformando-o em um espaço expositivo efêmero. Mais tarde, no mesmo ano, realizou sua segunda individual, “O Irretratável”, com curadoria de Rafael Rodrigues, na Soma Galeria. Em 2024, sua terceira exposição solo “FUSÃO”, com curadoria de Ayala Prazeres, é selecionada no Programa de Ocupação dos Espaços da CAIXA Cultural RJ. Entre exposições recentes, destacam-se: Objeto Sujeito (2023), com curadoria de Pollyana Quintella, Felipe Vilas Bôas e Richard Romanini no Museu Paranaense, onde sua obra “Jogada Ensaiada” comissionada para a exposição passa a integrar o acervo da instituição; “Antes e Agora, Longe e Aqui Dentro” (2024), com curadoria de Galciani Neves no Museu Oscar Niemeyer. SOBRE A CAIXA CULTURAL SÃO PAULO:     Inaugurada em 1989, a CAIXA Cultural São Paulo está localizada na Praça da Sé, no Edifício Sé, erguido em 1939 para ser a sede da Caixa Econômica Federal de São Paulo. Trata-se de um prédio histórico no estilo Art Déco, tombado, no qual funcionam, além da CAIXA Cultural, algumas áreas administrativas da CAIXA e a Agência Sé. No térreo do edifício situa-se a galeria D. Pedro II, com exposições temporárias, além do Grande Salão, onde são realizados espetáculos de dança, teatro, shows, debates, leituras dramáticas e palestras. No primeiro andar está a galeria Neuter Michelon e no segundo piso a Galeria Humberto Betetto, que também abrigam mostras de curta duração. O Museu da CAIXA, com sua exposição de cunho permanente, localiza-se no 6º andar do edifício, contando com instalações originais, mobiliários e equipamentos preservados desde a década de 1930. A visitação, que também pode ser monitorada, individualmente ou em grupo, permite uma verdadeira imersão no tempo e uma reflexão sobre o papel fundamental da instituição no desenvolvimento do país. Neste mesmo andar estão localizadas a Sala de Oficinas e o Auditório. A CAIXA Cultural São Paulo é de fácil acesso ao público, pois o Edifício Sé está a 100m da Estação Sé do Metrô. SERVIÇO: Exposição FUSÃO Local: CAIXA Cultural São Paulo - Praça da Sé, 111 - Centro Histórico de São Paulo, São Paulo – SP Visitação: De 24 de setembro a 24 de novembro de 2024 Horário: de terça a domingo, das 9h às 18h Ingressos: entrada gratuita Informações: (11) 3321-4400 www.caixacultural.gov.br e @caixaculturalsp Patrocínio: CAIXA e Governo Federal Realização: Rafael Rodrigues

exposição: “Raízes do Sentir – Ecos, Reflexos e Conexões” - Micha - SP

Micha

 

A Galeria Alma da Rua I apresenta "Raízes do Sentir – Ecos, Reflexos e Conexões" da artista Micha, sob curadoria de Tito Bertolucci e Lara Pap. A artista, com uma trajetória marcada pela investigação profunda das emoções humanas e do universo feminino reúne obras recentes em uma série de esculturas, pinturas, instalações e objetos, revelando a constante busca pela transformação do ser por meio da arte. Em sua sexta exposição individual, Micha explora o coração humano ampliado para além de sua função biológica, tratá-lo como um portal para uma percepção sensível e subjetiva. A abertura acontece em 16 de novembro de 2024.

A mostra se organiza como uma exploração das múltiplas camadas emocionais e quânticas que constituem o ser humano. O coração emerge como símbolo central, representando um espaço de conexão e transmutação. Para Micha, ele é um elemento de estudo que dialoga com questões da neurociência, anatomia e estudos quânticos, uma abordagem que a artista desenvolve com rigor e que reflete em cada obra apresentada. A essência do feminino permeia toda a exposição, revelando aspectos de afeto, intuição e vulnerabilidade, elementos intrínsecos ao processo criativo da artista.

Com a exibição de obras inéditas e outras que já circularam em bienais e instituições culturais, Micha convida o espectador a se aproximar de uma linguagem visual que vai além da tinta e do papel. Trabalhando com materiais variados como couro, metal, cerâmica portuguesa, gesso, madeira e prata, a artista experimenta texturas e superfícies que complementam o conteúdo simbólico de sua pesquisa. Em uma abordagem que une o sagrado feminino e elementos decoloniais, suas criações assumem uma identidade única e coesa, impulsionando reflexões sobre o interior do ser e suas conexões invisíveis.

A Galeria Alma da Rua I, que Micha frequenta desde sua fundação, é o espaço onde a artista revisita sua jornada e percebe as transformações que atravessam sua prática. Em cada exposição, Micha enxerga uma nova fase de sua evolução pessoal e artística, resultado de uma trajetória marcada pela experimentação e estudo constante. Com influências que remontam à infância, quando folheava livros de anatomia e biologia de sua mãe bióloga, Micha é uma artista multidisciplinar e autodidata, cujas obras expressam uma mescla de elementos simbólicos e sensoriais, abordando temas como dualidade, feminismo, neurociência e psiquê humana.

Ao longo de sua carreira, Micha tem se destacado por uma prática que une a arte visual à pesquisa científica, colaborando com o Instituto Heart Match (EUA) e desenvolvendo projetos urbanos, culturais e sociais. Com participação em mostras no Brasil e no exterior, sua obra reflete uma identidade artística marcada pelo estudo contínuo e pela experimentação, integrando temas existenciais e sociais de maneira crítica e poética.

 

Exposição: “Raízes do Sentir – Ecos, Reflexos e Conexões”

Artista: Micha

Curadoria: Tito Bertolucci e Lara Pap

Abertura: 16 de novembro – sábado – às 14 hs

Período: de 16 de novembro a 18 de dezembro de 2024.

Local: Galeria Alma da Rua I

Endereço: Rua. Gonçalo Afonso, 96 – Vila Madalena, São Paulo

Tel.: (11) 96196-4727
Horário: Segunda a domingo, das 10 às 18h

exposição Policromia da Cidade - Brasília

 

Brasília abrirá a exposição Policromia da Cidade em 10/10 A exposição reunirá fotografias produzidas através do projeto cultural Brasil Nosso Lugar, que foi desenvolvido pelo Instituto OLGA DF com patrocínio da Total Express.    O projeto cultural Brasil Nosso Lugar contemplou seis turmas com 15 participantes cada, inserindo, desse modo, 90 pessoas entre pessoas com deficiência e em situação de vulnerabilidade social. Durante os oito meses de sua duração, o Brasil Nosso Lugar promoveu oficinas e treinamento em fotografia em São Paulo, incentivando a captura de imagens de monumentos e locais icônicos do Brasil, contrastando-os com os bairros dos participantes do projeto, que têm sua própria simbologia. Após a conclusão das oficinas práticas, todo o conteúdo produzido pelos participantes foi submetido a uma curadoria realizada por eles próprios. As obras selecionadas, no total de 17 fotografias com intervenções de pintura e bordado, integrarão na exposição Policromia da Cidade, que será aberta ao público no dia 10 de outubro, às 11h, na Biblioteca Nacional de Brasília, DF. Ao longo das oficinas, os participantes realizaram intervenções artísticas, como colagens, pinturas e desenhos, criando novas interpretações das imagens. Cada obra reflete a visão individual de quem a transforma. Como contrapartida social, o projeto incluiu uma palestra e um debate sobre inclusão cultural aberta aos professores de rede pública de ensino. “Policromia da Cidade traduz as experiências dos participantes ao longo do projeto”, observa Silvia Liz, coordenadora do Departamento de Artes do Olga. A previsão é que o Olga DF atenda mais de mil participantes até 2025 em várias regiões do Distrito Federal e receba os eventos em prol da diversidade e da inclusão social no Brasil. “A expansão das atividades esportivas, culturais e científicas do OLGA para outros estados brasileiros é uma realidade. As oficinas esportivas já acontecem e estamos trazendo os nossos projetos artísticos para o Distrito Federal, como o Brasil Nosso Lugar, que terá na exposição Policromia da Cidade o seu ápice”, destaca Wolf Kos, presidente do Instituto Olga Kos de Inclusão.     Serviço Exposição: Policromia da Cidade Abertura no dia 10 de outubro, das 11h às 19h; e até o dia 27 de outubro (duração da exposição), das 9h às 19h Local: Edifício da Biblioteca Nacional de Brasília, Setor Cultural da República, área cívica, lote s/n, Brasília, DF     Sobre o OLGA DF O Instituto Olga Kos Brasília é uma instituição sem fins lucrativos que desde 2007 é referência na inclusão da pessoa com deficiência e pessoas em situação de vulnerabilidade. Chega em Brasília para nortear a elaboração de políticas públicas e ampliar as práticas inclusivas por meio de projetos nas áreas de esporte, artes e pesquisas. O objetivo é somar aos brasilienses e levar adiante o desejo de ver um país cada vez mais inclusivo por meio de oportunidades que quebram barreiras sociais. Olga DF desenvolve projetos artísticos, esportivos e científicos aprovados em leis de incentivo fiscal, para atender crianças, jovens, adultos e idosos com deficiência assim como aquelas vulneráveis socialmente. Mais informações: www.olgadf.org.br.

CURA - Circuito Urbano de Arte acontece entre 24/10 e 03/11 em Belo Horizonte

 

A 8ª edição do CURA - Circuito Urbano de Arte está prestes a transformar novamente a Praça Raul Soares, em Belo Horizonte. A edição de 2024 convida a comunidade a repensar como os espaços públicos podem ser vividos e ocupados, propondo uma visão que coloca a imaginação como o primeiro passo para a ação.

Desde 2021, o CURA ocupa a emblemática Praça Raul Soares, trazendo vida e reflexão sobre o espaço. Este ano, a provocação é clara: e se a praça fosse mais que uma rotatória, fosse mais do que apenas um lugar de passagem? E se ela pudesse se transformar em um verdadeiro parque, um espaço de convivência que acolhesse mães, crianças e idosos? O CURA 2024 propõe uma transformação do espaço urbano em um ambiente de pertencimento e permanência.

Com curadoria de quatro mulheres — Flaviana Lasan, Janaína Macruz, Juliana Flores e Priscila Amoni —, o festival deste ano traz destaque inédito: um line-up inteiramente composto por artistas mulheres, incluindo Clara Valente, Liça Pataxoop e Bahati Simoens. Além de contar com uma uma instalação brincante concebida pela arquiteta Bel Brant, da Mutabile Arquitetura.

Juntas, elas trazem à tona uma questão vital: como seriam as cidades se fossem regidas por tradições matriarcais? Que formas tomariam seus espaços públicos? Essa reflexão amplia as possibilidades de reinvenção dos territórios urbanos e convida à imaginação coletiva de novas formas de convivência e vida em comunidade.

A Praça Raul Soares como Mirante e Espaço de Encontro

O CURA atua como um catalisador na cidade, propondo novas maneiras de habitar e coexistir. Desde sua chegada à Praça Raul Soares, o festival transformou o local em um mirante que oferece à comunidade uma oportunidade de repensar seu uso. O que antes era visto apenas como uma rotatória movimentada, tornou-se um espaço de arte, encontro e troca. Em 2024, o festival continuará essa trajetória de transformação, construindo um legado artístico e cidadão que reconta a história da cidade e imagina novos futuros.

Vale destacar como a ocupação da praça impulsionou uma revitalização do seu entorno. A abertura de bares e estabelecimentos ao redor transformou a vida noturna local, trazendo novas perspectivas para o uso do espaço público. O desafio, agora, é estender essa ocupação para o cotidiano diurno, propondo uma praça reimaginada, com mobiliário urbano e sombra, para que a população possa desfrutar plenamente do espaço.

Sobre o Cura

O Circuito Urbano de Arte realizou sua sétima edição em 2022, completando 25 obras de arte em fachadas, empenas e também no chão, sendo 18 na região do hipercentro da capital mineira e quatro na região da Lagoinha, formando, assim, a maior coleção de arte mural em grande escala já feita por um único festival brasileiro. 

Idealizado por Janaina Macruz, Juliana Flores e Priscila Amoni, o CURA também presenteou BH com o primeiro Mirante de Arte Urbana do mundo na Rua Sapucaí.

Desde 2023, realizou duas edições em Manaus, onde está construindo um mirante de arte  indígena em prédios na capital amazonense, ampliando seu impacto cultural para além de Minas Gerais. 

 

Patrocínio e Apoio

O CURA 2024 conta com o patrocínio master da Claro, patrocínio da Unibh e Cemig e apoio da Shell V Power Etanol. 

A programação completa e outras informações serão enviadas em seguida e também podem ser acompanhadas nas redes sociais do festival @cura.art 

exposição Macunaíma de Mário de Andrade - Prefeitura de Santana de Parnaíba - SP