Cursos de Verano Gráfica 2017 en la Fundación CIEC Betanzos España

XXXIII CURSOS DE VERANO, GRÁFICA 2017

Julio y Agosto

Los cursos tienen una duración de 50h. lectivas, que se desarrollan de lunes* a viernes en horario de 16 a 21h.

El curso de la primera quincena de agosto, empezará el martes 1 de agosto y habrá curso el sábado 5 agosto para cumplir con las 50h.

JULIO

DEL 17 AL 28

LA MADERA Y SUS DERIVADOS EN EL GRABADO, XILOGRAFÍA Y COLOR

Profesor: Omar Kessel (artista y jefe de taller de la Fundación CIEC)

RECUPERACIÓN DE PLANCHAS DE OFFSET PARA APLICACIONES GRÁFICAS

Profesor: Luís Rosado (artista)

AGOSTO

DEL 1 AL 11

LITOGRAFÍA EN PIEDRA Y SUS POSIBILIDADES GRÁFICAS

Profesor: Omar Kessel (artista y jefe de taller de la Fundación CIEC)

TÉCNICAS ADITIVAS: VARIACIONES AL GRABADO AL CARBORUNDUM

Profesor: David Arteagoitia (artista y profesor de técnicas gráficas Universidad del País Vasco)

Del 14 al 25

MONOGRÁFICO DE SERIGRAFÍA

Profesor: Mariano Durante (artista y director del taller Durante Serigrafía de Madrid)

JULIO

LA MADERA Y SUS DERIVADOS EN EL GRABADO, XILOGRAFÍA Y COLOR

Profesor: Omar Kessel, Del lunes 17 al viernes 28, 50h. 230€

La xilografía parte de la madera, del trabajo de su superficie y de su veta, es una expresión gráfica inmediata y de técnica sencilla que ofrece grandes resultados, que destacan por su expresividad y fuerza. Hoy contamos también con  el dm y el sintasol que ofrecen nuevos acabados y formas de trabajo. Todo ello se pone a disposición del alumno que guiado por el profesor ejecutará sus propias obras.

RECUPERACIÓN DE PLANCHAS DE OFFSET PARA APLICACIONES GRÁFICAS

Profesor: Luís Rosado, del lunes 17 al viernes 28, 50h. 230€

El taller parte de la concienciación, recuperación y posterior reutilización de materiales, en este caso planchas de offset de imprenta, para el trabajo de las artes gráficas. Los asistentes al curso realizarán el tratamiento de recuperación y su posterior trabajo artístico en la línea del trabajo litográfico para la consecución de su propia estampa ya que una vez recuperado el soporte se podrá realizar un trabajo creativo contemporáneo a partir de las inquietudes de cada participante.

  

AGOSTO

LITOGRAFÍA EN PIEDRA Y SUS POSIBILIDADES GRÁFICAS

Profesor: Omar Kessel  Del lunes 1 al viernes 11, 50h. 230€

La magia de la piedra y sus posibilidades gráficas se pondrán de manifiesto en este curso, permitiendo a los participantes trabajar directamente sobre la superficie de la piedra que permite borrar y añadir diferentes trazos y recursos, lo mismo que el empleo del color y las aguadas. Las piedras de la Fundación se oponen al servicio de los alumnos para que comprueben por ellos mismo todo el proceso desde la elección de la piedra hasta la estampación sobre papel.

TÉCNICAS ADITIVAS: VARIACIONES AL GRABADO AL CARBORUNDUM

Profesor: David Arteagoitia, Del lunes 1 al viernes 11, 50h. 230€

El curso desarrolla desde las bases el funcionamiento de las técnicas aditivas sobre plancha de acetato. Analizaremos en profundidad aquellas cuestiones relacionadas con la incorporación de valores matéricos y texturales a la estampa desde una perspectiva contemporánea. Empleando soportes de medio y gran formato, nos centraremos en el grabado al carborundum y resinas sintéticas así como su potencial de combinación con otros medios de creación gráfica. El curso permitirá enriquecer el lenguaje personal de aquellos interesados en dar a su trabajo un novedoso aspecto táctil y de relieve.

MONOGRÁFICO DE SERIGRAFÍA

Profesor: Mariano Durante   Del Lunes 14 al viernes 25, 50h. 280€

Trabajaremos la serigrafía de forma intensa mediante emulsiones fotosensibles y tintas al agua. El objetivo del curso es que los participantes aprendan a conocer y controlar tanto los materiales empleados como los procesos técnicos  de estampación. Con estas dos premisas los alumnos se lanzarán a la realización de las  obras creadas y estampadas por ellos mismos. La rapidez de la edición en serigrafía permitirá no sólo la producción si no también la experimentación de cada participante en su propia obra.

  

Información general:

Todos los cursos tienen una duración de dos semanas en horario de tarde, de lunes a viernes de 16 a 21 horas, e incluyen la enseñanza y  materiales comunes, quedando a cuenta del alumno matrices, papeles y todos aquellos de uso individual.

Para matricularse en algún curso deberá enviarse a la Fundación CIEC ( correo postal o email), la siguiente documentación:

- Carta informal indicando el curso o cursos a realizar.

- Datos personales completos. Nombre, dirección postal, teléfono, email, profesión y estudios.

- Copia del documento de identidad.

- Copia del ingreso de 130 euros en la cuenta bancaria del CIEC, indicando siempre el nombre del alumno/a que realizará el curso en el concepto.

ES53-2080-3101-0930-4004-6241

Todo deberá enviarse a Fundación CIEC. Rúa do Castro, 2 15.300 Betanzos. ciec@fundacionciec.com 

Una vez confirmada la matrícula por parte de la Fundación CIEC se abonará en la misma cuenta el importe restante del curso antes del comienzo (indicando de nuevo en el concepto el nombre del alumno/a). La asignación de plazas será por riguroso orden de entrada. En caso de que el curso estuviese completo, se devolverá la reserva de matrícula, devengando los gastos bancarios que se ocasionan.

Si se ha participado en ediciones anteriores de los Cursos de Gráfica, el alumno/a se beneficiará de una reducción del 10% de la matrícula. Para acceder a dicha reducción deberá enviarse fotocopia del diploma.

Información y matrïcula: CIEC Betanzos. Tel. 981772964 o ciec@fundacionciec.com

Rúa do Castro  2  -  (15300) - Betanzos. A Coruña.  Tel.: 981 772 964          www.fundacionciec.com                 

ciec@fundacionciec.com

exposição Corte e Recorte - Conjunto Nacional - SP

Instituto Reciclar abre exposição no Conjunto Nacional, em São Paulo

Com apoio do Ministério da Cultura e patrocínio da Cielo, a mostra fica em cartaz de 4 a 22 de abril. A exposição tem como tema o olhar empreendedor. Trinta jovens foram capacitados para transformar cases inspiradores em fotografias. A visitação é gratuita.

Com curadoria de Paulo Emílio Lisboa, a exposição fotográfica CORTE E RECORTE – OLHAR EMPREENDEDOR, que será no Conjunto Nacional (Avenida Paulista 2.073), faz um entrelaçamento entre a arte e o empreendedorismo. São mais de 30 obras, entre fotografias e esculturas que apresentam de maneira singular sentimentos e emoções presentes na vida de um empreendedor: perseverança, coragem, liberdade, visão, transformação, resiliência.

A mostra é fruto do trabalho do INSTITUTO RECICLAR, ONG que atua no desenvolvimento de jovens de comunidades da zona Oeste de São Paulo, e teve como propósito reproduzir o olhar do jovem cidadão sobre o empreendedorismo, tema cada vez mais presente em suas vidas.

A artista Liria Varne, baseada nestes cinco casos empreendedores, criou esculturas em papel, lincando a arte com o empreendedorismo, tendo como base as fotografias. “Todo artista é um empreendedor, olha para a vida de forma particular, acredita em suas ideias e as coloca em prática”, comenta.

Paulo Emílio Lisboa define a exposição: " Luz e Sombra, corte e recorte, arte e empreendedorismo. Sempre é possível dar um passo à frente e não ficar no mesmo lugar".

Sobre o Instituto Reciclar:

O Instituto Reciclar é uma organização sem fins lucrativos que atua há 21 anos na formação socioenomocional dos jovens da zona Oeste de São Paulo. Com o propósito de “Desenvolver potenciais. Inspirar transformações sociais” e um modelo de atuação inovador, baseado no aprendizado na prática, o Reciclar já beneficiou mais de 500 jovens, tendo inserido 80% deles no mercado de trabalho.

Serviço:

Exposição Corte e Recorte

Conjunto Nacional – Avenida Paulista, 2.073

De 4 a 22 de abril

Das 7 às 22 horas, de segunda a sábado/ domingo das 10 às 22 horas.

Entrada franca

Classificação etária: livre

exposição CONSTRUÇÕES SENSÍVEIS - a experiência geométrica latino-americana na coleção de Ella Fontanais-Cisneros - FIESP

Construções Sensíveis

A experiência geométrica latino-americana na coleção Ella Fontanals-Cisneros

São Paulo, março de 2017 – O Brasil receberá, em abril, uma mostra abrangente da mais representativa arte abstrata da América Latina. A exposição Construções Sensíveis, que inicia em 6 de abril na Galeria de Arte do Centro Cultural Fiesp, em São Paulo, foi montada a partir da coleção Ella Fontanals-Cisneros pelos curadores Rodolfo de Athayde e Ania Rodríguez, da Arte A Produções. Estarão expostas 124 obras, de 63 autores, de sete países da América Latina, em uma variedade de suportes: pintura, desenho ou obras sobre papel, esculturas, objetos, fotografias e vídeos. A entrada é gratuita e a mostra permanece até 18 de junho deste ano.

"A exposição traz ao Brasil um recorte da abstração no nosso continente. Junto ao importante legado do concretismo e neoconcretismo brasileiros, são apresentadas as poéticas abstratas que prosperaram em outros países a partir dos anos de 1930”, explica Ania. Vários nomes têm reconhecimento internacional e muitos deles influenciaram e foram influenciados por latinoamericanos que encontraram em Paris ou Nova Iorque, pontos comuns de contato, intercâmbio e informação.

Essa rara oportunidade de conhecer, num único evento, tantos e tão instigantes autores e obras só foi possível porque Ella Fontanals-Cisneros construiu, a partir de 1970, uma coleção de arte abstrata geométrica e concreta, que já reúne mais de 2,6 mil obras, produzidas entre 1920 e 1982. Com a instalação, em 2002, da Fundação de Arte Cisneros-Fontanals (CIFO, The Cisneros Fontanals Art Foundation) criaram-se condições para apoiar artistas latino-americanos, tanto em suas produções, quanto na realização de exposições e promoção de arte e cultura.

A colecionadora, nascida em Cuba e criada na Venezuela, faz questão que o público tenha acesso ao que ela conseguiu reunir. “No meu caso, a motivação fundamental é aprender; a abstração me interessa e por isso continuo adquirindo obras, mas simultaneamente me agradam outras coisas e quero aprender mais sobre o conceitual”, comenta Ella Fontanals-Cisneros, que estará presente à abertura da exposição, na galeria do SESI, na Avenida Paulista, em abril. E ali o público poderá apreciar o diálogo entre os artistas e grupos formados em países como Brasil, Argentina, Uruguai, Cuba, Venezuela, Colômbia e México, potencializado pela exposição.

Desde a sua fundação, a CIFO já doou mais de um milhão de dólares para mais de 120 artistas da América Latina, para ajudar na criação e exibição de novos trabalhos. E organizou exibições da coleção de Ella Fontanals-Cisneros em várias instituições, de diversos países. Esse ambiente de estímulo aos criadores e apreço pela arte, desenvolvido pela presidente da Fundação de Arte Cisneros-Fontanals encontrou, na ArteA, a parceria adequada para desenvolver o projeto da exposição brasileira. Mostras realizadas com sucesso — Los Carpinteros, Kandinsky, Carlos Garaicoa e Virada Russa, para citar algumas — e o grande conhecimento que os curadores Ania e Rodolfo têm do panorama artístico da América Latina foram fundamentais para estabelecer a afinidade, que resultou na concretização dessa exposição.

Ania destaca que Construções Sensíveis "é uma exposição pensada especialmente para o Brasil, e presta uma sutil homenagem à mostra Arte Agora III, América Latina: Geometria sensível, que em 1978 ocupou o Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro e fora destruída por conta de um trágico incêndio. Muitos dos artistas apresentados naquela histórica ocasião estão presentes aqui, como representação das tendências pioneiras na região, agora junto a artistas contemporâneos que apontam para os rumos da abstração hoje”.

Naturalmente, os abstratos brasileiros estão bem representados, com Bichos de Lygia Clark e Tteia de Lygia Pape, o Metaesquema de Hélio Oiticica e as fotografias de Thomaz Farkas e Geraldo de Barros, dentre outras obras relevantes.

A história do abstrato na América Latina, com seus paradoxos e contradições, é suscetível a estereótipos e mal-entendidos, mas, ao mesmo tempo, carente de uma pesquisa mais extensa, que registre suas conquistas e alcance, a partir de suas concepções particulares. A exposição Construções Sensíveis é um passo importante na abertura desses horizontes, ao colocar ao alcance dos brasileiros esse elenco impressionante de artistas.

OS PAÍSES REPRESENTADOS

Abaixo alguns dos autores com obras na exposição, para dar uma ideia da abrangência e da relevância do panorama que foi montado:

Argentina: Gyula Kosice, Enio Iommi, Gregorio Vardanega, Martha Boto e Julio Le Parc.

Brasil: Lygia Clark, Hélio Oiticica, Mira Schendel, Geraldo de Barros e Thomaz Farkas.

Colômbia: Edgar Negret, Leo Matiz, Eduardo Ramírez Villamizar e Feliza Bursztyn.

Cuba: Sandu Darie, Loló (Dolores) Soldevilla, José Mijares, Roberto Diago e Carmen Herrera.

México: Mathias Goeritz e Gunther Gerzso.

Uruguai: Joaquín Torres García, Héctor Ragni, Antonio Llorens, Maria Freire e Marco Maggi.

Venezuela: Alejandro Otero, Jesús Rafael Soto, Elsa Gramcko, Gego e Magdalena Fernández.

A curadora Ania Rodríguez considera que mesmo nos casos em que não existem vínculos históricos comprovados entre artistas de diferentes latitudes, "os nexos podem ser estabelecidos a partir de uma sensibilidade comum evidente, que filia as tendências derivadas do construtivismo como paradigma estético”.

Para aquela parcela do público que ainda não está habituado às obras abstratas e sinta alguma dificuldade em “entender" propostas não figurativas, talvez seja útil uma frase de Ella Fontanals-Cisneros: “Penso que a arte abstrata é algo sofisticado, cujo gosto e apreciação se vai adquirindo com o tempo”. A exposição Construções Sensíveis é uma excelente oportunidade para aprimorar essa sensibilidade.

Construções Sensíveis

A experiência geométrica latino-americana na coleção Ella Fontanals-Cisneros

DATA E LOCAL: de 6 de abril a 18 de junho de 2017

Galeria de Arte do Centro Cultural Fiesp

Avenida Paulista, 1313 (em frente à estação Trianon-Masp do Metrô)

HORÁRIOS: diariamente, das 10h às 20h (entrada permitida até 19h40)

CURADORIA: Rodolfo de Athayde e Ania Rodríguez | Arte A Produções

REALIZAÇÃO: SESI-SP

VISITAS EDUCATIVAS: Agendamentos escolares e de grupos pelo telefone (11) 3146-7439

ENTRADA: Gratuita.

MAIS INFORMAÇÕES: www.centroculturalfiesp.com.br

exposição ARTÍFICES DA MADEIRA - Mogi das Cruzes - SP

workshop de aquarela - M NAMURA - SP

Workshop Aquarela
• tema - Perspectiva prática / casario
• turma - 08 participantes
• dia - 08 de abril de 2017
• hor. - 9 às 16h
• local - m namura atelier 
r. pres. rodrigues alves, 102
mogi das cruzes, sp 
• inf. - tel 4726-1500
• invest. - R$ 120,00
• material - próprio do participante

exposição 5 & 5 - SP

exposiçºao PEDRA NO CÉU - MuBE - SP

MuBE abre exposição Pedra no Céu

O Museu Brasileiro da Escultura e Ecologia – MuBE abre no próximo 1º de abril a exposição Pedra no Céu – arte e arquitetura de Paulo Mendes da Rocha. São mais de 50 obras de 25 artistas consagrados. Na abertura, será exibido o filme ‘Tudo é projeto’, em homenagem ao arquiteto

Com curadoria de Cauê Alves e Guilherme Wisnik, Pedra no céu traça um paralelo entre arte e a arquitetura de Paulo Mendes da Rocha, autor do projeto do MuBE.

Entre os propósitos da exposição está o de apontar vínculos entre arte e o legado da arquitetura brutalista de São Paulo. A clareza e a concisão do prédio do MuBE surgem tanto como continuidade de pesquisas anteriores do arquiteto, quanto como desdobramentos exigidos pela singularidade do projeto.

A exposição se aproxima das referências artísticas do arquiteto e de diálogos que ele estabeleceu entre o seu projeto e a produção de artistas como René Magritte e Henry Moore. Pedra no Céu também explora as relações entre o museu e a produção contemporânea, seja a partir de contrastes ou de consonâncias.

Diversos trabalhos compõem esta mostra, entre eles as pranchas apresentadas ao concurso do MuBE. Nelas, é possível ver que a relação com a paisagem se dá a partir de citações a viajantes como Debret, Rugendas e FransPost, presentes na exposição.

Estarão exibidas obras tridimensionais, fotografias, pinturas e desenhos de quase 30 artistas, que se relacionam com arquitetura e elementos estruturais do prédio, como a marquise, as paredes de concreto e a paisagem. Amaquete do MuBE, pertencente à coleção do MoMA de Nova Iorque, ocupará um lugar de destaque. 

Laura Vinci fará uma intervenção com vapor d’água, formando nuvens na marquise, dando a impressão de brumas, oferecendo ao visitante do museu um ar misterioso e a sensação de que a marquise está elevada ao céu.  O vão de 60 x 12 m parece flutuar, uma vez que de perto nosso olhar não abarca os apoios laterais.

A “pedra no céu” alude aos primórdios da humanidade, um abrigo elementar, mas que anuncia um museu subterrâneo que acompanha o desnível natural do terreno. É também o modo como Paulo Mendes da Rocha se refere ao grande plano horizontal (de concreto armado) da marquise que pousa sobre dois apoios perpendicularmente à Avenida Europa. 

“A intenção da curadoria foi se aproximar do imaginário e do repertório de Paulo Mendes da Rocha, assim como apontar outros vínculos possíveis entre arte e arquitetura”, explicam os curadores.

Filme: a filha de Paulo Mendes da Rocha, em co-direção com Patrícia Rubano produziu e dirigiu o filme Tudo é Projeto, que conversa sobre arquitetura e mostra quem é o arquiteto. É a visão de uma filha, na busca da compreensão de seu pai.

Artistas participantes

André Komatsu

Amelia Toledo

Amilcar de Castro

Caio Reisewitz

Carlito Carvalhosa

Carmela Gross

Cildo Meireles

Daniel Acosta

Daniel Buren

Daniel Steegmann Mangrané

Doris Salcedo

Franz Post

Henry Moore

Hiroshi Sugimoto

Iran do Espírito Santo

Jean Baptiste Debret

Johann Moritz Rugendas

José Resende

Laura Vinci

Leandro Erlich

Lydia Okumura

Mateo Lopez

Mauro Restiffe

Nicolas Robbio

Nuno Ramos

Paulo Mendes da Rocha

René Magritte

Sandra Gamarra

Serviço:

Pedra no céu: arte e a arquitetura de Paulo Mendes da Rocha

Curadoria:  Cauê Alves e Guilherme Viznik

Abertura 01/04/2017

Encerramento 02/07/2017

exposição NOVÍSSIMOS - Marina de Falco - SP

Inscrições abertas para "Inquietudes", novo programa do Instituto Tomie Ohtake

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CONHEÇA VISITE TOMIE OHTAKE EXPOSIÇÕES CURADORIA CULTURA E PARTICIPAÇÃO PRÊMIOS APOIE INSTITUTO TOMIE OHTAKE R. Coropés, 88 Pinheiros - São Paulo - SP CEP 05426-010 www.institutotomieohtake.org.br

Curso de Pintura Contemporânea, com Teresa Viana ' SP

Curso de Pintura Contemporânea, com Teresa Viana

O curso tem como objetivo propor alguns exercícios que apontam caminhos diferentes para acionar o processo de pensar na linguagem pictórica. Datas e horários: terças-feiras das 14h às 17h | Início dia 04/04/2017 Clique aqui e saiba mais!

Rua Capitão Macedo 370 - Vila Mariana – São Paulo - SP / CEP: 04021-020 Telefone: (11) 2337 3015

exposição de fotografias - Carolina Lopes - SP

exposição Telha e Tijolo Sobre Carne e Concreto - Sandro Akel - SP

Galeria Nicoli apresenta “Telha e Tijolo Sobre Carne e Concreto”, de Sandro Akel

Exposição retrata a individualidade, representada pela propriedade privada, e o distanciamento de cada ser humano imerso na grandeza da cidade

Um novo ponto de vista a respeito das fronteiras individuais da cidade de São Paulo é tema da exposição “Telha e Tijolo Sobre Carne e Concreto”, de Sandro Akel, na Galeria Nicoli. Em cartaz entre os dias 23 de março e 15 de abril, a mostra apresenta a nova série de trabalho do artista, que retoma o fator público do território a partir de uma nova perspectiva, em que cada espaço privado é um mundo indivual onde as pessoas se fecham do mundo público, porém o território público continua aberto e todos podem acessá-lo.

As obras apresentadas são esculturas compostas por desenhos sobre registros fotográficos em plantas de quadras dos bairros paulistanos Barra Funda, Santa Cecília e Casa Verde. A poética do espaço urbano, a individualidade – representada pela propriedade privada - e o distanciamento de cada ser humano imerso na grandeza da cidade, são o fio condutor de todo o trabalho.

O território nasce público e sofre apropriação humana, que traça fronteiras com muros e artifícios de defesa, constituindo assim sua propriedade privada. Sob a intenção de proteção de sua fragilidade, esse ser ergue estruturas isolando-se de forças imprevisíveis, da natureza e do mundo exterior. Essas estruturas, micro-fronteiras individuais de geometrias orgânicas, formam a cidade, que observada de um ponto de vista zenital, demonstra a aglomeração destes pequenos mundos particulares.

Sandro utiliza a técnica de acumulação e sobreposição de camadas usando telhas, tijolos, pontas de grades e telhados ondulados, formando uma escultura-mãe, que recebe aplicações de desenhos e outros elementos.

“A cidade pode ser vista como a soma dos espaços privados, que se acumulam lado a lado criando os condomínios, os quarteirões e os bairros em que habitamos. Durante o processo de expansão da cidade, o ser humano se apropria progressivamente do solo público e o delimita segundo seu desejo, cobrindo a terra com pisos de concreto, traçando linhas perimetrais, identificando assim o espaço privado, cercado, separado do espaço dos outros. Em seu terreno particular, em seu retiro, erige paredes, vigas, janelas e portas, e fecha sua estrutura com um tampo de telhas e tijolos, protegendo sua carne dos estranhos e das forças imprevisíveis da natureza, dos perigos do mundo de fora” explica o curador Giovanni Pirelli.

Sobre Sandro Akel

Um dos fundadores do coletivo Bijari, o carioca ficou conhecido inicialmente pelo trabalho com o grupo onde a convergência entre artes visuais e tecnologia aplicadas em instalações de grande porte, intervenções urbanas e ações multimídia que guiavam seus projetos.

Dessa profunda experiência com diversos suportes, um olhar atento à movimentação das ruas e um desenho fino e potente, em 2009 surge a necessidade de se dedicar exclusivamente à pintura.

A partir daí, cria painéis e quadros que se mantêm conectados com a linguagem urbana através de colagens e sobreposições de cartazes encontrados pelas ruas do mundo todo (Berlin, Londres, Nova York), incorporando agora o desenho em larga escala, redefinindo as dimensões e os pontos de vista. Muitas vezes inspirados na figura feminina, as obras ganham ainda mais força quando Akel aprofunda sua pesquisa de linguagem adotando a técnica da encáustica (trabalho com cera líquida.

Sobre a Galeria Nicoli

A Galeria Nicoli, dirigida por Carla Nicoli Pilão, nasceu com o objetivo de estimular e divulgar a produção artística de talentos consagrados e em amadurecimento, tanto no mercado de arte contemporânea como no de design.

Pioneira no conceito design-art no Brasil, impulsiona a produção de obras artisticas e de peças de design autoral únicas ou em edições numeradas, visando fomentar o colecionismo do design.

Serviço

“Telha e tijolo sobre carne e concreto”
Local: Galeria Nicoli. Rua Peixoto Gomide, 1736. Jardim Paulista – São Paulo – SP
Data: 23 de março a 15 de abril
Horário de funcionamento: Segunda a sexta – 10h30 às 18h30. Sábados – 11h00 às 16h00

http://galerianicoli.com.br/

lançamento de catálogo - Ana Maria Tavares - Pinacoteca SP

Programa de Exposições 2017 Marp – Museu de Arte de Ribeirão Preto

O Marp - Museu de Artes de Ribeirão Preto está com inscrições abertas para a 15ª edição do Programa Exposições 2017, que selecionará projetos para as exposições a serem realizadas pela instituição.
Poderão inscrever-se gratuitamente artistas maiores de dezoito anos, que não tenham realizado exposições individuais. Serão aceitas inscrições individuais e coletivas em todos os campos das artes visuais.
As obras inscritas deverão ter produção a partir de 2015. Os artistas interessados deverão se inscrever mediante o envio de um único dossiê, que poderá conter mais de uma proposta, acompanhada da ficha de inscrição devidamente preenchida e assinada. Os dossiês serão examinados e selecionados por uma comissão constituída por dois membros (entre críticos, historiadores de arte e artistas) e o diretor do Marp.

CRONOGRAMA
– Inscrições: até 31 de março/2017, via Correios
– Taxa de inscrição: não
– Premiação: não.
– Regulamento + Inscrição: http://bit.ly/2neWzZG

fonte> 

Editais e Afins

exposição coletiva PORTFÓLIO#2 - Gravura Brasileira - SP:

No próximo sábado, dia 25, das 13h às 17h, acontecerá a abertura da exposição coletiva PORTFÓLIO#2.
Gravura Brasileira +2
Rua Ásia, 219

exposição SUGAR AND SPEED - mamam - Recife - PE

“Sugar and Speed”, curadoria de Stefanie Hessler A história do Recife, a maior área metropolitana do Nordeste brasileiro, não pode ser contada sem a história do açúcar e da mão-de-obra. A cana-de-açúcar foi introduzida pela primeira vez no Brasil em 1532, importada pelos portugueses. Com a maioria das plantações situadas em Pernambuco, a colônia logo se tornou o principal produtor de açúcar de todo o mundo, acelerando a prosperidade econômica do país—ainda que somente compartilhada por alguns. Desde o início, os colonizadores europeus forçaram as populações indígenas a trabalhar nas plantações e, com o declínio do número de trabalhadores devido a doenças introduzidas pelos próprios colonos e por causa das terríveis condições de trabalho, os escravos eram cada vez mais importados da África Ocidental. A taxa de crescimento econômico se tornava assim num princípio ofuscante que se comprometera a renunciar todos os outros. Deste modo, o precipitado desenvolvimento agrícola e comercial da região persistiu na exploração da mão-de-obra humana. Como Paul Virilio observou, derivadas de “vitesse”, o termo francês para velocidade, são as palavras “vie” e “vif”, vida e força. A velocidade não é apenas pertinente para a produção de açúcar por meio de trabalho escravo e em processos de trabalho mecanizado, mas também devido aos seus efeitos metabólicos. O consumo de açúcar tem sido associado com o envelhecimento acelerado, e sua ingestão desencadeia a liberação de hormônios e neurotransmissores que estimulam a área do cérebro nucleus accumbens, que está associada com o prazer e com o reforço da aprendizagem. O uso excessivo e a tolerância adquirida exigem o consumo de quantidades cada vez maiores para sentir o mesmo grau de satisfação. O desejo de gratificação instantânea de desejos somáticos que, uma vez estimulados, exigem quantidades cada vez maiores, pode ser comparado com a aceleração das economias de mercado, bem como a aceleração das tecnologias de transporte e de consumidor, implicando uma mais rápida superação da distância. No entanto, a distância é precisamente a base sobre a qual o capitalismo é construído, criando um mundo de objetos em que os sujeitos os cobiçam ansiando pelo que está fora de seu alcance. Com a digitalização da informação, e sua rápida distribuição e onipresente acessibilidade—pelo menos em princípio—os desejos não se limitam à matéria física. O modo como trabalhamos com e contra computadores é o eixo central do vídeo de Tyler Coburn, enquanto Fia Backström lida com as economias do mercado global e com a neuropsicologia. A tecnologia, os estados liminares entre trabalho e descanso, e a escrita de Clarice Lispector são os vetores do trabalho de Lisa Tan, e Paulo Bruscky trata a função de controle das tecnologias. A mercantilização de bens intangíveis como o ar é abordada por Goldin+Senneby. Em sincronia com a crescente digitalização do trabalho e das mercadorias, as condições de trabalho físico próprias de escravo continuam todavia a persistir na agricultura açucareira. A história da cana-de-açúcar ressoa em pinturas de Francisco Brennand, Luiz Guilherme e Jean Pierre de cenas rurais pernambucanas. Sons da diáspora em constante expectativa ecoam no trabalho de Vivian Caccuri e as xilogravuras de Gilvan Samico exploram o folclore agrário e cosmologias da cultura luso-brasileira. A aceleração crescente dos processos de trabalho desde a revolução industrial contrasta com o tempo telúrico e os padrões de crescimento “naturais”, uma vez que colheitas feitas para render mais rapidamente acabam por esgotar o solo em que crescem. Os contrastantes estados de espírito desacelerados são evocados pelo vídeo meditativo de Katarina Löfström, enquanto fragmentos frenéticos do texto de Dimen Abdulla reconstroem dias de trabalho e futuros econômicos incertos. O calendário fotográfico de Rivane Neuenschwander faz referência à medição do tempo em termos produtivos, enquanto a eliminação da agricultura do Recife urbano, seguindo o impulso para o desenvolvimento econômico, é abordada por Jonathas de Andrade. As obras expostas se reunem em uma constelação de perguntas: se as relações coloniais e capitalistas dependem da exploração de outros e reforçam dependências assimétricas, como são reconfiguradas quando os papéis de produtor e consumidor se tornam cada vez mais entrelaçados na mão-de-obra digital—quando produzimos mesmo quando consumimos? Como são afetados aqueles que são privilegiados e os que são marginalizados por esta forma contemporânea de capitalismo? Poderão os ciclos de dependência induzidos por dopamina, evocados através do açúcar, das drogas ou, como recentemente afirmado, do uso da internet, ser uma forma de endocolonização, uma dependência auto-imune—apesar de, por enquanto, em condições menos fatais? Poderemos mudar as relações dualistas desequilibradas, des-linearizar as contra-direcionadas rapidez e lentidão reducionistas e desestabilizar a transformação de toda energia em combustível? E, o mais importante: Será você rápido o suficiente? A exposição tem estas perguntas como um ponto de partida. Apresentando obras da coleção do museu e de artistas convidados, considera a rede interligada de forças e histórias transmitidas através do tempo e do espaço até ao presente, taxas de crescimento econômico acelerado e metabolismos do trabalho, o passado complexo e a contemporaneidade do açúcar, aceleração tecnológica e somática, e processos de mercantilização em Recife e além. Curadora: Stefanie Hessler Produção: Silvana Lagos Assistente de pesquisa: Sara Rossling Realização [Swedish Arts Council, MAMAM; Prefeitura Recife] Museu de Arte Moderna Aloisio Magalhães (MAMAM) Rua da Aurora, 265, Boa Vista, Recife Telefone: +55 (81) 3355-6871 Horário de visitação: de terça-feira a quinta-feira, das 12h às 18h, sábado e domingo, das 13h às 17h Entrada gratuita

Prêmio de Fotografia Leica Oskar Barnack Award

O prêmio Leica Oskar Barnack Award recebe inscrições de fotógrafos que retratam a relação entre o homem e o ambiente, em uma sequência de dez a doze fotos, feitas entre 2016 e 2017. Podem participar fotógrafos profissionais ou fotógrafos em início de carreira profissional com até vinte e cinco anos de idade (categoria Newcomer). Neste ano, o vencedor receberá € 25 mil (euros) em dinheiro e € 10 mil de equipamentos do sistema Leica M, composto por um corpo de câmera e lentes. Além do prêmio principal, haverá o prêmio Newcomer (fotógrafos até vinte e cinco anos) composto de € 10 mil em dinheiro e € 10 mil de equipamentos do sistema Leica M, com câmera e lentes. Por fim, dez fotógrafos finalistas receberão um prêmio de € 2.500 cada.

CRONOGRAMA
– Inscrições: até 10 de abril/2017, via online
– Taxa de inscrição: não
– Premiação: sim.
– Regulamento + Inscrição: http://bit.ly/2nf1R7e

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exposição LINHAS DE HORIZONTE - DIORAMAS E ENCÁUTICAS - Caru Duprat - GRAPHIAS - SP